« From Modern to Contemporary : Artists from the Horn of Africa and Diaspora » une exposition collective au CFHILL Art Space de Stockholm

« From Modern to Contemporary : Artists from the Horn of Africa and Diaspora » est une exposition mettant en avant des artistes d’Éthiopie, d’Érythrée et du Soudan. Réunis par le CFHILL Art Space et Addis Fine Art pour une exposition de grande envergure au CFHILL Art Space de Stockholm, la première de ce type à se produire en Scandinavie avec des artistes africains. 

Les œuvres de dix-neuf d’artistes exposées au public, chacun travaillant dans un large éventail de médiums, dont la sculpture, la peinture, le textile, la vidéo et la photographie.

Au cours des dernières années, le monde de l’art a réagi aux pressions sociales et a tourné son regard vers l’Afrique. Quoi qu’il en soit, malgré ce regain d’intérêt, les artistes de la Corne de l’Afrique sont encore généralement méconnus.

C’est dans cette démarche qu’Addis Fine Art a été créée en 2016 pour mettre en lumière les artistes d’Éthiopie, mais aussi ceux des pays voisins qui partagent des liens culturels. C’est dans ce contexte d’intérêt urgent pour l’art contemporain africain que cette exhibition se concentre sur les meilleurs talents de cette zone et de la diaspora.

L’exposition est organisée en fonction de thèmes et de chronologie, divisés en quatre segments : Modernistes, Contemporains, Diaspora, et Artistes émergents.

Le segment principal est consacré aux pionniers, les spécialistes éthiopiens exceptionnellement respectés qui ont quitté l’École des Beaux-Arts d’Alle – l’école d’art la plus chevronnée d’Afrique de l’Est – dans les années 1970.

Les contemporains, ces artistes à mi-vocation qui ont été dans une large mesure préparée par des modernistes. La diaspora comprend des artistes dont les fondements se trouvent dans la Corne de l’Afrique, mais qui sont actuellement répartis sur toute la planète. Dans la dernière catégorie, celle des artistes émergents, nous découvrons la nouvelle avant-garde des artistes contemporains issus du continent et de la diaspora.

Les artistes participants à l’exposition « From Modern to Contemporary : Artists from the Horn of Africa and Diaspora »

Tadesse Mesfin

Tadesse Mesfin (1953) est un géant de la scène artistique éthiopienne. Il occupe une position unique à la fois comme figure de proue du mouvement moderniste éthiopien et comme éducateur de longue date grâce à son rôle de professeur à l’influente Alle School of Fine Art and Design d’Addis-Abeba. Parmi les générations de peintres auxquels il a enseigné figurent Addis Gezehagn, Ermias Kifleyesus, Merikokeb Berhanu et Tesfaye Urgessa.

La dernière œuvre de Mesfin s’inscrit dans le prolongement de sa série en cours qui célèbre les femmes qui travaillent comme petites vendeuses sur les marchés disséminés dans les villes éthiopiennes. On les trouve généralement debout ou accroupies, leurs produits agricoles éparpillés devant elles, dans l’espoir d’attirer l’œil des clients potentiels. Pour leur rendre hommage, Tadesse place leurs occupations et leurs personnalités au premier plan, et le spectateur est encouragé à apprécier leur importance pour les communautés qu’ils servent.

Les peintures résistent parfois aux limites de la perspective, les personnages éloignés semblant flotter dans l’espace entre ceux du premier plan, leurs formes étant souvent abstraites grâce à des coups de pinceau vaguement définis. Seules leurs poses royales et statuaires et leurs expressions faciales sont clairement discernables. Mesfin a déclaré que sa fascination antérieure pour la tradition ouest-africaine de fabrication de masques l’a incité à créer ses propres « masques éthiopiens » à partir des expressions des visages des femmes qui occupent ses toiles. Leurs mentons pointus et leurs regards captivants sont un clin d’œil aux masques d’Afrique de l’Ouest, mais leurs traits typiquement éthiopiens leur confèrent une apparence unique. Chaque personnage est soigneusement pesé dans ces peintures avec une précision méthodique née de décennies de pratique. Il y a souvent un protagoniste central qui est le point de mire, légèrement décentré conformément aux règles de proportion du nombre d’or, contrebalançant les figures de l’arrière-plan.

La carrière artistique de Tadesse Mesfin s’étend sur plus de cinq décennies. Son style pictural a été fortement influencé par son éducation précoce auprès de Gebre Kiristos Desta, le pionnier du modernisme éthiopien, et par son séjour de sept ans en URSS dans les années 1980, où il a étudié l’architecture et la sculpture à Saint-Pétersbourg.

Lulseged Retta

Lulseged Retta (né en 1952) est l’un des plus éminents peintres modernistes d’Éthiopie. Son œuvre amalgame et réimagine des thèmes artistiques éthiopiens traditionnels et des styles modernistes, harmonieusement fusionnés pour un public contemporain. Les peintures de Retta s’inspirent d’une multitude d’influences, notamment l’art de l’Église orthodoxe éthiopienne, son amour de la musique (qu’il insuffle de façon rythmique dans ses compositions) et son interprétation de la riche histoire culturelle de l’Éthiopie. Retta a fréquenté l’école des beaux-arts et du design de l’université d’Addis-Abeba, où il a obtenu un diplôme, avant de partir pour l’URSS dans les années 1980 afin d’obtenir une maîtrise en beaux-arts à l’Académie des arts de Repina (aujourd’hui Saint-Pétersbourg). Il est devenu depuis l’un des peintres les plus prolifiques d’Éthiopie.

La première source d’inspiration de Retta est venue des peintures des églises orthodoxes et des œuvres de Gebrekristos Desta et Afework Tekle. Aujourd’hui, les peintures typiquement éthiopiennes de Retta définissent l’art éthiopien moderne. Ses œuvres offrent des couches de signification, proposant des plaisirs esthétiques simples à l’œil non initié et une perspective philosophique profondément complexe à ceux qui connaissent son style. Ces œuvres nécessitent une analyse, révélant le paysage, la culture et l’histoire qui l’ont influencé au fil des ans. Retta a travaillé dur pendant plusieurs décennies pour offrir sa propre interprétation de la beauté à travers son point de vue artistique unique. Il s’est plongé dans sa propre identité et dans l’histoire de l’Éthiopie afin de créer ces pièces qui transmettent une perspective critique sur ce que signifie être Éthiopien. Les thèmes éthiopiens et les motifs africains sont apparents dans ses portraits, ses pièces musicales, ses peintures représentant des activités quotidiennes et ses œuvres de nature philosophique. Ses œuvres ont un air d’opulence provenant des couleurs qui renforcent l’expérience du spectateur, créant un lien avec un passé profondément riche et culturellement saturé.

Le style unique de Retta a inspiré des générations d’artistes éthiopiens et il reste une figure importante de l’art contemporain africain. Il a exposé ses œuvres en Éthiopie et dans divers autres pays africains, ainsi qu’en Europe, en Asie et aux États-Unis. Retta a également œuvré à la promotion de l’art et des artistes éthiopiens au niveau national et international, en participant à l’organisation de la foire annuelle Art of Ethiopia à l’hôtel Sheraton Addis. Il collabore fréquemment avec d’autres artistes et est très engagé dans la sphère sociale, suivant la conviction que l’art est le reflet de notre culture et de nos valeurs. 

Merikokeb Berhanu

Merikokeb Berhanu (né en 1977 à Addis-Abeba) est diplômé de l’Alle School of Fine Arts and Design de l’université d’Addis-Abeba en 2002. Il a été formé par un groupe d’élite d’artistes modernistes dans cette école d’art influente.

Absorbée par les questions de vie et de mort et la condition humaine, Merikokeb s’inspire de la nature et de la vie elle-même. Bien qu’elle ait vécu et travaillé principalement dans des environnements urbains, les motifs de son œuvre proviennent essentiellement de la nature. Merikokeb explique qu’elle se coupe du monde extérieur pour plonger profondément dans son propre subconscient, exprimant avec des couleurs et des formes ce qui ne peut être communiqué avec des mots. Elle tente de capturer les sentiments et les émotions qui l’ont accompagnée à travers les différentes étapes de sa vie. Ses œuvres ne portent pas sur des moments précis dans le temps et l’espace, mais se situent quelque part entre le conscient et le subconscient.

Merikokeb utilise des thèmes récurrents de la nature pour faire référence à des concepts et des émotions personnels. Par exemple, son image du cerveau situé à l’extérieur du corps signifie les déséquilibres de la vie causés par la concision et l’ingéniosité humaines. Avec des références répétées aux cellules, « les éléments constitutifs de la vie », tant dans les formes humaines qu’organiques, Merikokeb nous rappelle que toute vie est interconnectée. Elle cherche à créer une opposition au déséquilibre et à l’injustice qu’elle constate dans le monde qui l’entoure. L’embryon, autre symbole récurrent, représente le développement et la naissance des idées et des opinions des gens. Merikokeb fait également preuve d’ambiguïté dans ses œuvres en les laissant sans titre, ce qui permet au spectateur d’interpréter lui-même le langage symbolique énigmatique.

Outre l’influence de l’héritage moderniste éthiopien, l’œuvre de Merikokeb entre en résonance avec les artistes féminines occidentales du XXe siècle, comme Georgia O’Keeffe et Hilma af Klimt, qui ont créé des peintures décrivant leurs propres états émotionnels, en suivant leur subconscient et en traduisant leurs sentiments et leurs idées en symboles abstraits. La tentative de Merikokeb de représenter son monde intérieur ressemble également au désir des symbolistes d’échapper à la réalité en exprimant leurs rêves et leurs visions personnelles par la couleur, la forme et la composition. Pourtant, malgré ces références visuelles aux mouvements artistiques européens, la pratique de Merikokeb est intrinsèquement africaine ; elle utilise cette vision syncrétique pour se tailler une place dans le discours actuel sur l’art contemporain.

Tesfaye Urgessa

Depuis qu’il a obtenu son diplôme de l’école des beaux-arts et du design d’Alle en 2006, Tesfaye Urgessa (né en 1983) est rapidement devenu l’un des artistes contemporains éthiopiens les plus en vue. Il s’est inscrit à la Staatlichen Akademie der Bildende Kunst en 2009 et vit depuis en Allemagne. Les sujets artistiques d’Urgessa se concentrent sur la critique sociale, la race et la politique de l’identité.

Le travail d’Urgessa a des racines profondes dans son enfance et ses souvenirs de jeune homme en Éthiopie. Ayant étudié auprès du maître moderne Tadesse Mesfin, à l’école des beaux-arts et du design d’Alle, Urgessa s’est connecté à l’iconographie éthiopienne. Celle-ci sera, dans les années à venir, l’un des éléments contraignants de sa production artistique. Selon ses propres termes, c’est comme « avoir toujours un accent éthiopien, quelle que soit la langue que je parle ». Plus tard, au cours de ses voyages en Europe, il a rencontré l’héritage du néo-expressionnisme allemand et de l’école de Londres, qu’il incorporera à son imagerie.

Urgessa trouve dans l’activisme social et la narration d’histoires un catalyseur pour sa production artistique. Il existe une réciprocité muette entre l’observateur et l’observé qui déplace la dynamique du pouvoir et la notion d’agence et de race. Des objets et des corps nus cohabitent dans les limites apparemment chaotiques des toiles aux couleurs feutrées et matures. Chaque composition n’est pas planifiée ; elle provient plutôt des profondeurs du subconscient d’Urgessa, où des images disjointes d’émigration transcendent le monde extérieur et se retrouvent sur la toile. Les coups de pinceau deviennent des muscles, des tendons, de la chair et des masses chromatiques.

Tesfaye Urgessa vit et travaille à Nürtingen, en Allemagne. Il est titulaire d’une licence avec mention de l’école des beaux-arts et du design d’Addis-Abeba (2006) et a obtenu un diplôme avec mention de la Staalichen Akademie der Bildenken Künste de Stuttgart sous la direction du professeur Cordula Güdermann (2014). Parmi ses expositions les plus célèbres figurent Oltre/Beyond à la Gallerie Degli Uffizi en 2018 et Von denen die auszogen ( De ceux qui ont déménagé ?? ) à la State Galerie Villa Streccius, à Landau Germanu (2019).

Addis Gezehagn

Addis Gezehagn (né en 1978), présent depuis longtemps dans le milieu artistique d’Addis-Abeba, est connu pour avoir dépeint les multiples facettes des habitants de la ville en détaillant les façades extérieures de leurs maisons. Dans sa série « Floating Cities/ Floating Towers », Gezehagn dépeint des rendus oniriques, déconstruits et superposés, de paysages urbains s’élevant au-dessus du sol. Ces compositions réalisées en superposant des découpages de magazines avec de la peinture acrylique, mélangent les frontières de la fantaisie et de la réalité de la vie urbaine, brouillant les lignes entre le passé, le présent et le futur.

Aplaties et réductrices, les œuvres de Gezehagn imaginent des paysages urbains sous forme de tours, ou de patchworks de portes et de portails colorés, les structures architecturales semblant signifier un réseau naturel et organique d’espaces de vie. La nature sans racines et éphémère des tours superposées remet en question la vie des habitants. En examinant les espaces personnels et publics, les œuvres archivent des murs et des tours destinés à s’effondrer, traçant un modèle de classisme et d’injustice sociale. Les œuvres de Gezehagn nous incitent à penser au-delà des maisons en tant qu’entités fonctionnelles et offrent un commentaire sur le contexte socio-économique de la vie urbaine.

Gezehagn vit et travaille actuellement à Addis-Abeba, en Éthiopie. Il a obtenu un diplôme et un BFA de l’école des beaux-arts et du design de l’université d’Addis-Abeba en 2011. Sa première exposition internationale a eu lieu en 2017 à la 1:54 Contemporary African Art Fair de Londres, qui a été accueillie avec beaucoup d’enthousiasme. Depuis lors, il n’a cessé de se renforcer, suscitant un intérêt plus international après avoir eu sa première exposition solo à guichet fermé à la galerie principale d’Addis Fine Art à Addis-Abeba en 2018, suivie de la 1-54 Contemporary Art Fair London (2018) et d’Art Dubai (2019).

Adiskidan Ambaye

Adiskidan Ambaye est née à Addis-Abeba, en Éthiopie, où elle a vécu jusqu’à seize ans. Elle part ensuite étudier à Francfort, en Allemagne, puis, quatre ans plus tard, dans le Minnesota pour étudier les beaux-arts au MCAD, en se spécialisant dans la conception de meubles. Pour Adiskidan Ambaye, la sculpture et le dessin sont profondément imbriqués. Les sculptures abstraites qu’elle réalise sont presque toujours précédées d’esquisses gestuelles en deux dimensions, qui délimitent les bases de ses compositions tridimensionnelles.

Les sculptures en bois semblent moulées à partir d’un seul bloc de bois, mais sont en réalité composées de soixante petites tranches de contreplaqué fabriquées à la main. Les marques annelées qui ornent la surface de chaque segment représentent une pièce individuelle fusionnée pour former l’ensemble. Ambaye a décrit ce processus comme une sculpture « de l’intérieur vers l’extérieur ».  Ces marques cycliques évoquent également des images des cercles concentriques naturels que l’on trouve dans les arbres et qui signifient l’âge, la vie et la mort, car ils ne sont visibles qu’une fois l’arbre abattu.

En ponçant la surface rugueuse et cassante, Ambaye peut la débarrasser des imperfections, ou les « effacer » comme elle pouvait le faire dans ses croquis, à la manière d’une gomme à effacer les marques de crayon. La couleur est ajoutée à l’aide d’un chalumeau, fonçant le bois jusqu’à une couleur rappelant l’écorce d’un arbre. Elle manie le chalumeau comme elle le ferait avec un crayon pour ombrer certaines parties de l’œuvre. Jaillissant vers le haut et se contorsionnant dans des angles impossibles, les sculptures visualisent des émotions et des histoires de vie. Cependant, ce n’est pas ce qu’Ambaye souhaite que le spectateur perçoive ; elle affirme qu’elle ne cherche pas à influencer l’interprétation que les gens font de son travail et espère plutôt qu’ils projetteront leurs propres jugements.

Ambaye a exposé aux États-Unis dans le cadre d’expositions collectives et individuelles, notamment African Women (2001), World Space Centre, Washington DC, Colour of Africa (2001), Portland, Maine, Chicago Museum of Industrial design (2007), Chicago, Africa by Design (2017), Ghana.

Ermias Kifleyesus

Ermias Kifleyesus (né en 1974 à Addis-Abeba) vit et travaille à Bruxelles. Il a fréquenté l’Université d’Addis-Abeba, Alle School of Fine Arts and Design, où il a reçu l’enseignement du peintre influent Tadesse Mesfin. En tant qu’artiste multidisciplinaire, Kifleyesus utilise une pléthore de techniques et de supports artistiques, allant des collages de papier à grande échelle, des toiles mixtes et des fresques murales, aux installations vidéo et aux sculptures métalliques complexes. En créant et en déconstruisant des images, il nous permet d’examiner des questions importantes sur la condition humaine et les complexités plus vastes du monde qui l’occupe.

Alors que les processus élaborés qui sous-tendent la création de ses toiles sont compliqués et demandent beaucoup de travail, Kifleyesus encourage le spectateur à regarder au-delà de la surface, au cœur même de sa pratique artistique, les motifs socio-économiques qui définissent les contours de notre culture et de notre société. Tout au long de son œuvre, Kifleyesus a commenté la société contemporaine tout en jetant une lumière nouvelle sur l’histoire. Dans des œuvres comme Cascade of Knowledge et Displacement 1 et 2, il fait allusion à des événements ou des personnages historiques qui ont impérativement déterminé les relations ou les structures de pouvoir entre l’Afrique et l’Europe. Ce faisant, il s’assure que les événements et les récits sont racontés d’un point de vue différent et qu’ils ne forment pas simplement un pli poussiéreux dans un livre d’histoire.

La maîtrise de Kifleyesus et son respect pour l’importance de l’huile sur toile à l’ère du numérique ont une grande urgence et une grande puissance. L’un de ses corpus d’œuvres, par exemple, présente des toiles de peinture à l’huile acquises auprès de commerçants d’occasion sur les marchés aux puces d’Amsterdam. Beaucoup de ces toiles ont été mises au rebut, décolorées par les éléments avant de finalement accumuler des couches de saleté au fil du temps. À l’aide d’un mélange adhésif chimique appliqué avec un fin chiffon de coton, Kifleyesus décolle méticuleusement la saleté, le vernis et les couches de peinture. Selon ses propres termes : « J’explore l’envers des peintures, c’est vrai avec mon propre travail et les œuvres que je découvre. Je joue avec le recto et le verso des peintures, j’explore les endroits situés entre la toile, l’apprêt, la peinture à l’huile et le vernis en travaillant avec la lumière dans ce territoire inexploré. Ce processus donne une nouvelle vie à des espaces oubliés ; ma technique donne une vision et une voix à mes idées, mes héros et mes idoles ».

Ermias Kifleyesus a réalisé plusieurs expositions personnelles en Belgique, notamment Grapes Darken by Looking at Each Other, Kusseneers (2018), Changing World you are my Anchor, Bruxelles (2017), About People, Bruxelles (2016), Humidity and the Mystery of Traces (2014). Il a également participé à de nombreuses expositions collectives, exposées à travers l’Europe et l’Afrique : Soft ? Tactiele Dialogen, MoMu at Maurice Verbaet Center, (2018), Mural in Atelier M at The Foyer, Sint-Jans-Molenbeek Biennale de Dakar, Sénégal (2018), You Don’t Need an App to Experience the Real Thing, Art Brussels with Kusseneers Brussels, Belgium (2017), The Solo Project, Art Fair, Basel, Suisse (2014), The Aldeburgh Beach South Lookout Project, Aldeburgh, Suffolk, Royaume-Uni (2014), A Show a Day Keeps High Cholesterol at Bay, Art Brussels, Belgique (2013), Found in Translation, Casino, Luxembourg (2011), Scholars House, Collaboration avec Daphne Astor, Londres, Royaume-Uni (2005).

Tsedaye Makonnen

Tsedaye Makonnen est une artiste pluridisciplinaire dont la pratique en studio, en tant que conservatrice et en tant que chercheuse est liée à son identité de fille d’immigrants éthiopiens, de femme noire américaine, de doula et de mère. Makonnen s’investit dans la migration forcée transhistorique des communautés noires à travers le monde et dans le féminisme. Son travail est à la fois une commémoration intime et un sanctuaire protecteur pour les vies noires. Elle a récemment reçu une bourse de recherche d’artiste du Smithsonian, une résidence de créateur de la DC Public Library et une résidence d’artiste Savage-Lewis d’Art on the Vine (Martha’s Vineyard).

Elle s’est produite à la Biennale de Venise, à Art Basel Miami, à Chale Wote (Ghana), à El Museo del Barrio, à Fendika (Éthiopie), à FIAP (Martinique), au Queens Museum, au Smithsonian’s, etc. Ses monuments lumineux commémorant les femmes noires ont été exposés au August Wilson Center et à la National Gallery of Art. En 2019, elle a fait la couverture du People Issue du Washington City Paper. Elle a récemment organisé une exposition collective avec le Washington Project for the Arts à DC intitulée Black Women as/and the Living Archive et publie un livre d’exposition. En août prochain, elle exposera dans le cadre de l’exposition « 100 Years | 100 Women » du Park Avenue Armory avec NYU Tisch et Deb Willis, qui a récemment fait l’objet d’un article dans le magazine Vogue.

Daniela Yohannes

Le parcours de Daniela Yohannes (née en 1982) en tant qu’artiste n’a pas été conventionnel. Formée en tant qu’illustratrice, son chemin a serpenté à travers les disciplines avant de la mener à son objectif actuel.

Depuis qu’elle a déménagé aux Caraïbes il y a deux ans, son environnement a trouvé sa place dans ses créations, tant sur le plan spirituel qu’esthétique. Elle décrit son inspiration comme étant celle de l’invisible ; les forces et les concepts qui nous animent et nous entourent : invisibles mais constamment à l’œuvre dans nos corps et nos esprits. Ses peintures sont des témoins de l’expression de la nature ; des explorations des expériences intimes qui ne sont partagées qu’avec les éléments : terre, air, eau et magie. Elle aborde les thèmes de la conscience, de la race et de l’ascendance, de la nature éthérée du cosmos et de la pluralité de l’individu.

Yohannes a grandi à Londres et vit actuellement en Guadeloupe, dans les Caraïbes françaises. Elle a eu deux expositions personnelles internationales, The Fall : A Woman’s Descent into the Unconscious, Addis Fine Art Project Space, Londres, Royaume-Uni (2019), et Beyond Voudou, The Pikture Gallery, Bangkok, Thaïlande (2010). Elle a également participé à plusieurs expositions collectives, exposant dans des villes du monde entier, notamment Influence Project, Real Music Rebels East Wing Takeover, Somerset House, Londres (2018), House of Wahala Project, Texas, États-Unis (2017), Untitled Black British Art, Latham Watkins, Londres, Royaume-Uni (2016), AfrikBytes Exhibition, Afreaka Festiva, São Paulo, Brésil (2016), What Will Survive of Us is Love, The Invisible Line, Londres, Royaume-Uni (2012).

Tizta Berhanu

Tizta Berhanu est née à Addis-Abeba, en Éthiopie, en 1991, où elle a vécu et travaillé toute sa vie. Elle est diplômée en 2013 de l’Université d’Addis-Abeba, Alle School of Fine Arts and Design, où elle a étudié sous l’influence du peintre moderniste Tadesse Mesfin.

Formée en tant que peintre figuratif, Tizta utilise ce médium pour plonger de manière introspective dans les émotions humaines. Les personnages de ses œuvres expriment souvent toute une gamme de sentiments, certains se réconfortent et s’étreignent, tandis que d’autres sont isolés et se cherchent dans le décor de ses toiles énigmatiques. Ses peintures sont inondées de couleurs lucides qui coulent sur les toiles grâce à de lourds coups de pinceau indéfinis. En représentant ses sujets exprimant l’amour, la haine, la tristesse et la solitude, l’observateur est invité à des moments de vulnérabilité et d’intimité.

Selome Muleta

Selome Muleta (née en 1992) est l’une des jeunes artistes les plus passionnantes de la scène éthiopienne des arts visuels de ces dernières années. Son dernier ensemble d’œuvres explore la féminité, à la fois comme idée et comme expérience vécue.

L’œuvre de Selome consiste principalement en des portraits, car elle représente des sujets féminins dans différents contextes intérieurs et sous la forme de divers personnages imaginaires. Selome cherche à dépeindre ses femmes dans des états de réflexion intérieure, ses peintures encapsulant des moments privés et des expériences à travers un spectre d’émotions, symptomatiques d’une féminité à la fois naturelle et performative. Avec des tons pastel et une peinture appliquée avec aisance, les images créées par Selome dégagent une sérénité et une quiétude. Parfois, les visages de ses sujets sont masqués ou recadrés, et le spectateur est invité à se concentrer sur les objets épars qui décorent la pièce, créant ainsi une atmosphère proche d’une nature morte. Une plante tombante, un compagnon félin assoupi et un lointain portrait encadré de travers, les objets exposés sont les éléments tangibles d’une expérience vécue qui doit être à la fois célébrée et étudiée.

Selome Muleta (née en 1992) a fait ses études à l’Abyssinia Fine Art School (2012) et au Entoto Polytechnic College (2013-2014). Elle a présenté des expositions individuelles au Guramayne Art Center, à la Fendika Art Gallery et à l’Alliance Ethio-Française (2019).

Girma Berta

Girma Berta est un jeune artiste primé basé à Addis-Abeba, en Éthiopie. Né en 1990, Berta est un photographe autodidacte dont le travail fusionne la photographie de rue et les beaux-arts. Dans les séries I et II de Moving Shadows de Berta, des personnages solitaires sont juxtaposés sur des arrière-plans éclatants, créant ainsi des œuvres d’art vraiment uniques qui illustrent le contraste des couleurs et des personnalités dans les rues de sa ville natale. L’utilisation par Berta des médias numériques pour produire et présenter ses œuvres est en soi un commentaire sur la révolution numérique en cours en Afrique. Il représente la vivacité de l’Africain du millénaire. Berta décrit la motivation de son travail comme un désir de capturer « le beau, le laid et tout ce qui se trouve entre les deux ». Ses images plongent profondément dans l’âme de la ville, offrant son interprétation remarquable.

Le travail de Berta a été présenté dans des publications telles que The Guardian, Okay Africa, Design Indaba, The Huffington Post, Instagram, NPR et Art Africa Magazine. Il a été sélectionné pour participer à la New York Times Portfolio Review 2017, et a été retenu comme finaliste pour le prix CAP 2017.

Ses œuvres ont été exposées au festival photo de La Gacilly (2017), à Nataal / Red Hook Labs NY (2017), à la Cape Town Art Fair (2017), à PhotoVille NY (2016, 2015), au Look Festival (2016), à la 1:54 Contemporary Art Fair London (2016), à Also Known as Africa Art Fair Paris (2016) et au Bamako Photo Fest (2015). Berta est la lauréate du prix Instagram 2016 de Getty Images.

Helina Metaferia

Helina Metaferia est une artiste interdisciplinaire qui travaille sur le collage, l’assemblage, la vidéo, la performance et l’engagement social. Par le biais d’un hybride de médias, la pratique d’Helina s’attache à explorer les histoires négligées liées à l’expérience noire, principalement dans le contexte de l’Occident. Pour ce faire, elle met en scène des corps noirs, principalement des femmes, dans des positions de pouvoir et de vulnérabilité, afin d’interroger les histoires complexes de l’oppression systémique, en se demandant comment elles influencent les expériences personnelles et les relations interpersonnelles. Elle est également influencée par son héritage éthiopien, s’inspirant souvent des sensibilités de l’art africain traditionnel dans son travail, en particulier l’intersection de l’art visuel et du rituel.

En tant qu’artiste basée sur la recherche, le travail d’Helina s’inspire des archives écrites et orales, de l’art dialogique et des pratiques somatiques. Elle est actuellement boursière Andrew W. Mellon et professeur adjoint à l’université de Brown.

Le travail d’Helina Métaferia a été présenté dans de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment au Museum of African Diaspora, à San Francisco, au Museum of Contemporary Art Detroit, à Detroit, et au Modern Art Museum Gebre Kristos Desta Centre, à Addis-Abeba, en Éthiopie. Son exposition personnelle, Generations, sera inaugurée au Museum of Fine Arts de Boston à l’automne 2021. Le travail d’Helina a également été soutenu par plusieurs résidences d’artistes, notamment MacDowell, Yaddo, Bemis, MASS MoCA et Triangle Arts Association. Elle participe également au programme de visualisation du Drawing Center en 2021. Helina a obtenu sa maîtrise en beaux-arts à l’école du musée des beaux-arts de l’université Tufts et a fréquenté la Skowhegan School of Painting and Sculpture.

Tariku Shiferaw

Le travail de Tariku Shiferaw (né en 1983), basé à New York, traite du marquage de manière à aborder les espaces physiques et métaphysiques de la peinture et des structures sociétales. La série en cours de Shiferaw, « One of These Black Boys », explore la peinture et les structures sociétales par le biais du marquage. Selon lui, le marquage consiste à « suivre la conversation traditionnelle de la peinture et à faire des marques et des gestes qui interrogent l’espace. Une marque, aussi physique et présente que les marques rupestres, qui dit « je suis ici » ou « j’étais ici ». Elle révèle le penseur derrière le geste – une preuve des marquages antérieurs d’idées et de soi sur l’espace. L’identité de l’auteur de la marque est aussi importante que la marque elle-même. Sinon, le contexte peut s’estomper et être oublié derrière l’esthétique physique. »

Prenant les noms de chansons de musique hip-hop, R&B, jazz, blues et reggae, Shiferaw réalise des peintures qui incarnent les expériences et les luttes exprimées par la musique des artistes et compositeurs noirs. Il explore souvent un éventail de sujets allant de la notion de corps noirs dans une construction sociale blanche aux idiomes populaires de la romance, du sexe et de la vie quotidienne – l’existence. S’appropriant des titres de chansons comme points de référence pour ses peintures, les œuvres héritent automatiquement de références, d’identités et d’histoires musicales.

Shiferaw a étudié pour son Bachelor of Fine Arts (BFA) à l’Université de Californie du Sud (USC) en 2007 et a ensuite obtenu son MFA à Parsons The New School for Design en 2015. Il a participé à des expositions individuelles et collectives aux États-Unis et en Europe, notamment « This Ain’t Safe », Cathouse Proper, New York (2018) ; « Only God Can Judge Me », Vault Gallery, Montpelier, VT ; « Erase Me », Addis Fine Art, Londres (2017) ; « One Of These Black Boys », Anthony Philip Fine Art, New York (2017). Parmi les expositions collectives sélectionnées figurent « Men of Change », avec le Smithsonian Institution Traveling Service (2019) ; « To Dream Avant-Garde », Hammond Harkins Galleries, Ohio (2018) ; « If I go there, I won’t stay there » Ltd Los Angeles, Los Angeles (2018) ; « Without Qualities », Addis Fine Art at Private View, New York (2018); La Biennale du Whitney 2017 dans le cadre de Debtfair d’Occupy Museum ; « A Poet*hical Wager » au Musée d’art contemporain de Cleveland (2017). Shiferaw a participé au programme d’étude indépendant du Whitney Museum of American Art (studio), aux Open Sessions du Drawing Center, et il a été artiste en résidence au LES Studio Program à New York. En 2020, il participera à une résidence d’artiste au World Trade Center par le biais de Silver Art Projects.

Et bien d’autres artistes contemporains comme Atong Atem, Girmachew Getnet, Nigatu Tsehay, Tegene Kunbi, Yasmeen Abdullah.