La Plasticienne et performeuse Otobong Nkanga présente « Togethering » avec Oroma Elewa, Bill Kouélany, Obi Okigbo et Adéọlá Ọlágúnjú à la Galerie In Situ – Fabienne Leclerc

Jusqu’au 12 février 2022 à la Galerie In Situ – Fabienne Leclerc, est présentée la dernière exposition de la Plasticienne et performeuse Otobong Nkanga qui a voulu en parallèle à son projet inviter quatre autres artistes Africaines au sein de l’exposition « Togethering ».

Née en 1974 à Kano, au Nigeria, Otobong Nkanga est une artiste visuelle et de divertissement qui s’est concentrée sur l’art à l’université Obafemi Awolowo d’Ile-Ife, au Nigeria, puis à l’École supérieure des beaux-arts de Paris. Elle a été artiste en résidence à la Rijksasademie van beeldende Kunsten d’Amsterdam, avant d’obtenir un master en Performing arts à Dasarts en Amsterdam. Aujourd’hui, elle vit et travaille à Anvers, en Belgique. Les dessins, photos, installations, sculptures et performances d’Otobong Nkanga grillent de diverses manières l’idée de région et la valeur accordée aux biens ordinaires.

Son travail offre des images qui révèlent un solide pouvoir suggestif. Un large assortiment de supports et de matériaux structure des œuvres propulsées par la terre, ses biens surexploités et les récits qui en découlent.

Son art s’organise à l’intersection des évolutions du temps et des civilisations pour dépasser nos points de vue, vers des environnements différents, des économies différentes.

Les œuvres de l’artiste Otobong Nkanga, dont le style raffiné peut sembler, à première vue, ne pas avoir d’arêtes désagréables, font preuve d’un solide pouvoir de réminiscence avec des représentations de corps déstructurés, d’appendices déconnectés qui sont de toute façon reliés entre eux par des cordes, des racines ou des branches.

Ces connexions sont des images plaquées, mais aussi une véritable organisation de structures qui sont continuellement réverbérées à travers un large éventail de supports : dessins, créations artistiques, installations, textiles, photos, sculptures, performances et parfois même vers. Tout se développe et s’associe, en toute relation, à l’image des chaînes d’affiliation que l’artiste assemble progressivement.

Pour sa deuxième exposition à la Galerie In Situ, Otobong Nkanga présente quelques œuvres récentes et par ailleurs, quelques pièces plus aguerries faisant le lien, de manière cohérente, avec ses projets passés.


Plus précisément, les deux sculptures « Post I » et « Post II » créer en 2019, dont la stature se compare à la taille de l’artiste, sont des manèges métalliques déployant chacun douze plaques d’aluminium sur lesquelles sont imprimées des images de scènes du monde entier.

Ces destinations sont mises à part par des blessures, recouvertes de beaucoup de débris. La composition sur bois « Borrowed Light – Appeasement » montre 3 bras interconnectés reliés par des liens à un polygone vidé. Cette manière avec un style mécanique et adapté illustre exceptionnellement le travail réaliste de Otobong Nkanga.

Quelques œuvres tapisseries réalisées pour l’exposition travaillent des parties uniques d’autres œuvres tissées plus établies pour leur donner une autre présence. Otobong Nkanga ajoute parfois des végétaux ou des métaux oxydés, faisant résonner les gammes de nuances imitant celles des cordes utilisées pour tisser ces textiles.

Ces gammes se retrouvent d’abord dans certains dessins de l’artiste, témoignant de la relation exceptionnellement solide qu’elle entretient avec les matériaux qui permettent l’élaboration de ses œuvres.

Deux installations réalisées à partir de tapis touffetés à la main, auxquels sont associés par de longues cordes des objets en verre de Murano contenant des matières olfactives, accueillent l’invité pour qu’il se repose et se ressource.

Dans l’exposition « Togethering », l’artiste Otobong Nkanga a dû accueillir quatre artistes africains qui raisonnent en correspondance avec son travaille. Il s’agit entre autre de : Oroma Elewa, Bill Kouélany, Obi Okigbo et Adéọlá Ọlágúnjú pour un échange de sentiments, de liens naturels et connexions.

Oroma Elewa

Au cœur de son travail réfléchis à ses propres rencontres, à différents moments, tout en examinant les questions qui en découlent. 
Elle nourrit des pensées qui ont une importance sociale, culturelle, politique et raciale.

Elle est particulièrement inspirée par une sous-catégorie de questions concernant la féminité contemporaine et les aspects de sa personnalité noire, notamment : l’expérience cosmopolite africaine transnationale, les éléments dynamiques en la possession d’un corps sombre tout en explorant les questions qui émergent autour de la représentation de ce corps : qu’est-ce que ce corps ? Que peut-il vraiment faire ? Comment devrait-il penser ? Pour quelle raison maintient-il ce point de vue ? Quels espaces ce corps serait-il capable d’impliquer ? Quels espaces permettrait cette occupation ? De quelle manière pourrait-il prendre en charge les questions qui le préoccupent ? Comment pourrait-il en explorer les limites, et ainsi de suite ?

Son projet « Area Babes and Ashawo Superstars », est un projet de performance qui interroge la féminité contemporaine à travers un éditorial culturel. Il est introduit sous l’angle de photos uniques et repensé de la période brillante de Nollywood et se déploie à travers une progression de personnages – un rassemblement intergénérationnel de dames africaines de la diaspora qui explorent et arrangent la vie, les philosophies, l’orientation, la classe et le pouvoir au 21e siècle.

« Area Babes and Ashawo Superstars » présente un aspect du discours culturel et militant des femmes régulièrement considéré comme intouchable, en particulier le pouvoir monétaire et les questions politiques libératrices du sexe, fondées sur les valeurs et en tout cas.

Il s’agit d’une libération des femmes qui existe en dehors de ses limites réglementaires ; un droit des femmes qui tire son expérience et son importance des facteurs réels des femmes africaines contemporaines de la diaspora. Fondamentalement, « Area Babes and Ashawo Superstars » est un exposé sur le temps et le lieu actuels des rencontres socio-résidentielles des femmes africaines transnationales de la diaspora.

Bill Kouélany

Bill Kouélany a été sur diverses expositions et foires. À ce titre, les années 2002, 2004, 2006 ont été celles de ses participations réellement perceptibles dans la Biennale de Dakar. Sans aucun doute, en 2006, elle obtiendra tout à la fois le prix de la Francophonie, le prix du Montalvo Arts Center au USA et un défi pour participer à l’une des plus grandes expositions du monde : la Documenta de Kassel en Allemagne.

En 2012, Bill Kouélany porte sa casquette de commissaire d’exposition de manière intéressante à la Biennale de la photographie de Bamako en présentant des œuvres réalisées par son ami, l’artiste camerounais Goddy Leye. C’est donc fort de cette expérience qu’elle lance « LES ATELIERS SAHM » en 2012, à Brazzaville. Ce centre d’art contemporain qui offre une aide à plusieurs niveaux aux jeunes artistes et auteurs du territoire.

Simultanément, Bill Kouélany recherche sa propre vocation et fait de son art un outil chirurgical, investiguant, réalisant régulièrement la possibilité de difficulté dans son travail.

Organisant une matière tumultueuse, son travail fait allusion à une enquête personnelle, scrutant le rapport à soi et à l’autre. Ses matériaux sont ciselés, déchirés, fixés, ils sont la tâche de la déchirure et sont capables comme des peaux.

Ses installations sont stupéfiantes, faits de blocs taillés à la main ou d’une combinaison de béton et de papier mâché. Bill Kouélany est également essayiste et a récemment publié « Kipiala ou la rage d’être soi », aux éditions Les Avrils. Un autoportrait épique, un croisement du Congo contemporain et une exhortation à ne pas subir.

Obi Okigbo

Obiageli Okigbo est une artiste britanno-nigériane qui est basée à Bruxelles. Son expérience en tant qu’ingénieur à l’Université d’Oxford Brooks et à l’Architecture Association (UK) affecte durablement son travail créatif, où l’expérience avec divers matériaux et méthodes, par exemple, « l’encre de Chine sur tissu », la peinture à l’huile et le collage, a élargi son champ d’investigation.

En 2005, elle a créé la Christopher Okigbo Foundation avec pour mission de sauvegarder et de rechercher la tradition de son père Christopher Okigbo, un artiste qui a quitté le terrain lors de la bataille du Biafra en 1967. Le lien avec l’œuvre idyllique de son père souligne l’approche multidisciplinaire que Obiageli Okigbo enregistre dans son travail, dans lequel on perçoit l’impact des patrons hollandais tout comme les rendez-vous de la mythologie Igbo.

Après avoir lancé sa carrière avec une exposition indépendante à Lagos en 2003, elle continue de soutenir ses liens avec sa nation d’origine en participant à des projets, des expositions et des foires d’art contemporain, par exemple la principale foire d’artisanat d’Afrique de l’Ouest ARTX.

En 2015, elle a rejoint le collectif d’artistes de la diaspora nigériane « NASUK », qui organise des expositions annuelles, dont l’exposition commémorative principale « Legacies of Biafra » au SOAS de Londres en 2017-2018.

Elle a participé à des expositions en Belgique, au Royaume-Uni et à Dubaï, notamment à DOCUMENTA 14 en 2017 et a fait des performances tout dernièrement au National Theater de Londres en 2020. Proche de sa pratique de la composition, elle a récemment exploré différentes voies concernant la photographie, la vidéo et l’installation.

Son travail est sans cesse en réflexion avec un regard intérieur qui se manifeste sous la forme de la figure féminine. Le sujet caché de son travail est certainement l’autoportrait, ancré dans mon caractère différent. C’est à la fois non littéral et conceptuel ; c’est la structure féminine avec la capacité de la déesse ; nourrice, mère, chérie, fournisseur de l’autre monde, faisant ressortir une disposition qui se répand dans des tâches de temps où les parties convergent. Sa façon d’aborder la peinture est celle d’une doublure qui cherche les maîtres pour tout ce qu’elle connaît de la spécialité ; procédure, création, lumière, ombre…

Adéọlá Ọlágúnjú

Adéọlá Ọlágúnjú est un artiste qui travaille avec la photographie, la vidéo, le son et l’installation. Une grande partie de son art questionne le soi, la mémoire, l’altérité, le raccommodage et la scène sociale.  

Elle a développé un intérêt profond pour le soi en tant qu’espace de demande. Le soi comme étant dans le corps, dans la psyché et dans la mémoire.

Dans le corps, étant donné que le tissu véhicule l’âme humaine et qu’à ce titre, elle le choisit comme véhicule de demande. Dans la mémoire, puisque c’est le moyen par lequel nous traitons et réfléchissons à nos propres récits internes. À la lumière de ces parties entrelacées, ses inclinations s’étendent au climat, car il est finalement le médium intelligent par lequel le corps et la mémoire persévèrent. Le nouveau travail d’examen et de création de Adéọlá Ọlágúnjú est centré sur l’abject en tant qu’objet.

Elle étudie la corporalité et la matérialité des déchets (humains et non humains) et le rejet par la misère en analysant les manières dont les articles peuvent créer des résultats sociaux, dans leur sauvegarde et leur ingéniosité, mais aussi dans leur oblitération et leur élimination.

Son travail a été présenté dans des festivals, musées et galeries dans de nombreux pays. Elle a bénéficié de subventions et de prix, dont le NRW.BANK Kunstpreis 2021, le Grand Prix Seydou Keïta pour la meilleure création visuelle à la Biennale internationale de photographie de Bamako en 2019, le Young Art Support Amsterdam Award en 2013 et le Lagos Photo Festival Award en 2012.

Adéọlá Ọlágúnjú est finaliste du « Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative » en 2019 et vainqueur de la classe de photographie à la cinquième version de Forecast Platform pour 2020-2021.