Après avoir publié l’article « Qu’est-ce que l’art contemporain africain ? », mettant en lumière cette notion représentative de l’art traversant 54 pays et sa diaspora engendrée par le colonialisme, il est important de se concentrer sur les divers types d’art provenant du continent ainsi que sur leur foisonnement artistique actuel.
Les arts africains, en particulier la sculpture, ont été connus en Europe depuis le XVe siècle et ont acquis leur qualité artistique authentique lorsque les peintres cubistes les ont découverts en 1906.
Cependant, l’art nègre du cubisme ne représente pas la totalité de l’art contemporain africain et l’étude de ces œuvres vise à établir une géographie, une histoire et une ethnologie stylistique. La sculpture n’est qu’une forme accessible de cet ensemble artistique complexe.
La force de l’art africain contemporain pour sensibiliser à l’histoire de l’esclavage
L’esclavage africain est un sujet qui émeut des millions de personnes, et les artistes africains contemporains utilisent leur émotion pour commenter visuellement ce thème monumental. Les expositions d’œuvres d’artistes contemporains, combinées à des textes et images historiques, ont réussi à sensibiliser le public à ce sujet.
Les œuvres d’artistes tels que Fabrice Monteiro, Julien Sinzogan, Kimathi Donkor, Godfried Donkor, Kerry James Marshall et Aaron Douglas dépeignent une partie de ce passé peu glorieux.
En utilisant des techniques mixtes de plumes et d’encre, Julien Sinzogan représente les expériences des esclaves lors de la traversée de l’Atlantique, tandis que Fabrice Monteiro revisite les plans de manilles et les clichés d’archives pour créer des photographies modernes qui reflètent la dure réalité de l’époque.
Kimathi Donkor met en avant l’histoire du commerce transatlantique, tandis que Godfried Donkor utilise des références contemporaines pour représenter l’esclavage.
Kerry James Marshall met en scène la vie de la classe ouvrière afro-américaine dans un style très coloré, tandis qu’Aaron Douglas a incorporé des motifs et des thèmes africains dans ses œuvres. Sa célèbre peinture « Into Bondage » dépeint des Africains enchaînés faisant leur chemin vers les navires à l’horizon, dans un geste de désespoir et de résignation.
Les artistes afro-descendants se sont distingués en mettant en lumière des thèmes relatifs à l’esclavage et à la libération.
Quand l’art s’engage : les installations et sculptures qui rappellent l’histoire de l’esclavage
L’art peut être un puissant moyen de sensibilisation et de commémoration. De nombreux artistes ont choisi l’installation et la sculpture pour rappeler l’histoire de l’esclavage et rendre hommage à ceux qui ont été asservis.
L’artiste sud-africaine Sue Williamson a créé une installation intitulée « Trois Réservoirs » qui retrace l’un des nombreux voyages à travers l’Atlantique effectués par des navires négriers. Chaque cuve de verre contient des informations sur les esclaves qui ont été transportés sur ce navire, tels que leur nom africain, leur nom chrétien, leur pays d’origine et leur prix. L’installation est une commémoration émouvante de la façon dont les êtres humains ont été traités comme des marchandises.
L’artiste américain Stephen Hayes a créé l’installation « Cash Crop », qui établit des parallèles entre l’économie de la traite des esclaves et les ateliers clandestins du tiers-monde actuel. L’installation comprend des sculptures grandeur nature de personnes jetées en esclavage, représentant les quelque 15 millions d’Africains asservis. Les sculptures sont présentées debout dans des cercueils en forme de bateau fabriqués à partir de palettes d’expédition en bois. Cette installation est puissante, intimidante et techniquement brillante.
Kara Walker est une artiste américaine dont l’art rappelle la nécessité de se battre pour aborder des thèmes sociaux et politiques tels que la race, l’esclavage et la sexualité. Dans sa sculpture « Fons Americanus », elle remet en question la façon dont l’histoire est évoquée dans les monuments publics. Cette sculpture est également un récit sur les origines de la diaspora africaine, utilisant l’eau comme thème clé. Elle rassemble faits, fantaisie et fiction dans une sculpture physiquement écrasante, faisant référence aux ambitions, aux destins et aux tragédies de personnes issues de trois continents.
Lubaina Himid est une artiste britannique qui s’exprime depuis 40 ans à travers des créations artistiques à la portée politique. En 2004, elle a offert au Musée international de l’esclavage l’installation « Naming the Money », qui révèle la réalité cachée des esclaves et des domestiques noirs, en leur redonnant une identité et une voix. L’installation se compose de 100 silhouettes taillées dans le bois, peintes en grandeur nature, représentant des esclaves et des domestiques noirs de tous les genres.
Ces artistes ont choisi de rappeler l’histoire de l’esclavage à travers leur art, en utilisant des installations et des sculptures pour commémorer ceux qui ont été asservis. Leurs œuvres puissantes et émouvantes nous rappellent l’importance de ne pas oublier notre histoire et de faire face à notre passé pour construire un avenir meilleur.
Exploration de la sculpture africaine contemporaine à travers les artistes influents
La sculpture africaine contemporaine est un art qui se caractérise par l’utilisation de matériaux naturels ou trouvés. Les artistes qui se sont investis dans cette forme d’art contemporain africain ont créé des œuvres à la fois brute et terrestre, magnifiquement stylisée ou abstraite, qui racontent des histoires et occupent une place dans l’histoire. Dans cet article, nous explorons l’œuvre de quelques-uns des artistes africains les plus influents de cette pratique.
Ben Enwonwu, artiste nigérian, est l’un des artistes les plus influents de la sculpture africaine contemporaine. Sa statue intitulée « Atlas » représente une représentation occidentale courante, mais incarne l’Afrique, soutenant et soutenant le monde. Une autre figure paternelle renommée de l’art africain contemporain est El Anatsui, du Ghana, qui crée de grandes installations sculpturales à partir de bouchons de bouteilles, de boîtes de conserve et de tout ce qu’il peut récupérer.
Ebrahim Al Salahi, quant à lui, est un autre moderniste africain, célèbre pour sa sculpture représentant l’arbre de vie ou l’arbre de la méditation. Inspirée d’un arbre appelé Haraz dans son pays natal, le Soudan, elle représente non seulement un lien entre le ciel et la terre, mais aussi un autoportrait et une métaphore de la croissance artistique et personnelle.
Elkana Ongesa, issu d’une longue lignée de sculpteurs de Tabaka, une communauté de Kisii, au Kenya, a été chargé de réaliser de nombreuses sculptures publiques et privées. Il s’est également beaucoup impliqué dans le mentorat d’étudiants, tout en s’engageant à développer une communauté artistique dans sa ville natale de Kisii.
Enfin, Stella Shawzin, née en Afrique du Sud en 1920, est surtout connue pour ses sculptures de personnages défiant la gravité, coulées en bronze ou moulées dans le marbre. L’une des caractéristiques de son travail est que ses humains sont dépourvus de traits, représentant ainsi l’universalité de la condition humaine.
Ces artistes influents de l’art africain contemporain ont chacun apporté leur propre vision de la sculpture africaine contemporaine et ont créé des œuvres d’art inspirantes qui continuent de nous émerveiller. La sculpture en tant que forme d’art est un moyen de voir, d’expérimenter et de refléter la vie, et ces artistes ont fait un excellent travail en utilisant cette forme d’art pour raconter des histoires et remettre en question les normes de la société.
Focus sur ces artistes africains contemporains qui réinventent la sculpture africaine
De nombreux personnages émérites de l’art africain contemporain ont laissé leur empreinte dans le monde de la sculpture, tels qu’Edoardo Villa, Ben Enwonwu, Stella Shawzin, Ibrahim El Salahi, Sydney Kumalo, Francis Nnnggenda, Arthur Azvedo, Ousmane Sow, El Anatsui, William Kentridge, et Wangechi Mutu. Leurs parcours illustres et leur influence sur la perception et la création de la sculpture dans le monde entier témoignent de leur longue carrière. Avec des matériaux variés tels que le bois, la pierre, le bronze, le papier mâché, le textile, le verre et autres, ils ont créé des œuvres reflétant la richesse culturelle de l’art africain contemporain. Leurs réalisations ont été récompensées et exposées dans des musées et galeries à travers le monde, contribuant ainsi à la reconnaissance de l’art africain sur la scène artistique internationale. Aujourd’hui, l’art de la sculpture continue d’être une forme d’expression essentielle dans l’art contemporain africain.
Découvrons ensemble quelques artistes talentueux qui apportent leur propre vision et style à cet art en constante évolution.
Edoardo Villa (1915-2011) était un sculpteur italien qui est devenu le sculpteur le plus prolifique d’Afrique du Sud. Arrivé dans le pays en 1942 comme prisonnier de guerre, il s’est installé à Johannesburg après sa libération. Villa a introduit des matériaux et des formes audacieuses dans ses œuvres, produisant jusqu’à sa mort plus de 1000 pièces. Le bronze et l’acier étaient ses supports préférés, parfois peints de couleurs vives, parfois laissés noirs ou dans leur état d’origine.
Wangechi Mutu, une artiste kényane, est actuellement installée à New York. Elle est l’un des artistes les plus en vue de son pays, ayant été récemment chargée par le Metropolitan Museum de réaliser quatre statues en bronze pour les niches de la façade du musée. Ses formes sculpturales sont créées à l’aide de divers supports, allant du bronze aux matériaux naturels qu’elle trouve au Kenya. Elle est fascinée par les liens entre la nature, le féminin et l’histoire et la culture africaines.
Angus Taylor, né à Johannesburg en 1970, est un artiste contemporain connu pour ses œuvres sculpturales puissantes et monumentales. Souvent plus grandes que nature, ses sculptures sont construites à partir de matériaux tirés de son environnement immédiat, tels que le granit, le jaspe rouge et la terre orange. L’une des caractéristiques de son travail est que ses pièces font allusion à l’héroïsme du commun des mortels.
Mary Sibande, née à Barberton, en Afrique du Sud, en 1982, pratique son art sous forme de sculpture et de photographie à Johannesburg. Son travail acclamé par la critique a été représenté dans la plupart des grandes institutions artistiques du monde entier et fait l’objet de nombreuses collections. Avec son personnage avatar Sophie, elle vise à confronter les relations de pouvoir des femmes en Afrique du Sud, notamment en ce qui concerne la race et la hiérarchie sociale. Sibande utilise la fibre de verre, la résine, l’acier et le tissu pour créer des sculptures fortes et saisissantes qui obligent les spectateurs à examiner les questions de genre, de race, de classe et de pouvoir dans l’Afrique du Sud post-apartheid.
William Kentridge, un artiste sud-africain polyvalent, est célèbre pour sa capacité à mélanger les médiums et les genres. Ses sculptures varient du métal abstrait à la tridimensionnalité du bronze, toutes faisant preuve d’une grande inventivité.
Sanell Aggenbach, née en 1975, utilise l’humour et la tendresse dans son travail. Elle parodie les grands noms de l’Occident tout en présentant des sculptures émouvantes et remplies d’ironie, comme « Madre Pieta » représentant deux lapins en bronze.
Deborah Bell, née en 1957 à Johannesburg, s’inspire des civilisations anciennes et des objets rituels pour créer des sculptures immobiles et spirituelles. Son œuvre « Return of the Gods » est particulièrement bouleversante, chaque sculpture produisant un son différent lorsqu’on pénètre dans son espace.
Niyi Olagunju, né en 1981, est un artiste nigérian qui utilise des sculptures en bois africaines pour créer des pièces saisissantes. Il recouvre les sculptures de métaux colorés, ce qui évoque les effets de l’exploitation des ressources naturelles en Afrique.
Enfin, Nandipha Mntambo est une sculptrice swazie qui explore les rôles traditionnels des sexes et l’identité dans son travail. Elle est surtout connue pour ses sculptures figuratives en peau de vache, mais elle a récemment créé des sculptures en bronze inspirées par une armée de femmes craintes et célébrées.
Ces artistes africains contemporains sont tous talentueux et méritent d’être découverts. Leur travail diversifié offre un aperçu fascinant de la richesse et de la complexité de l’art contemporain africain dans le domaine de la sculpture.
Des sculptures publiques fluides
En Afrique du Sud, une sculpture de Nelson Mandela réalisée en acier par Marco Cianfanelli est un hommage poignant à l’homme emblématique. Érigée sur la route de Howick, dans le Natal, elle est constituée de 50 colonnes de 10 mètres de haut, représentant les 50 ans de captivité de Mandela sur le site. De prime abord, les tiges épineuses apparaissent à tout passant. Pourtant, une fois l’angle de vue ajusté, les contours du visage de Mandela se dessinent, pour disparaître à nouveau dans l’abstraction. Une illusion intelligente qui ne laisse pas indifférent.
Dylan Lewis, sculpteur de renom installé à Simonstown, au Cap, possède un jardin de sculptures à Stellenbosch où il expose ses œuvres de toutes tailles, grandes et petites. Pour lui, la nature est un lieu de connexion avec sa nature intérieure authentique et indomptée. Issu d’une famille d’artistes depuis plusieurs générations, il a d’abord exercé en tant que peintre avant de se spécialiser dans la sculpture de formes animales, notamment de grands félins. Plus récemment, il a exploré la relation entre l’homme et la nature à travers des figures humaines. Quelle que soit l’échelle à laquelle il travaille, il combine une forme brute et une sensibilité d’observation remarquable. Chaque projet démarre avec une multitude de dessins, réalisés avec maestria au fusain, au stylo et à l’encre.
La sculpture Shona : un héritage culturel et artistique
La culture zimbabwéenne est riche en traditions et en histoire, notamment dans le domaine de l’art et de l’artisanat. Parmi les nombreux talents du pays, la sculpture Shona est un véritable trésor national, qui a su conquérir le monde grâce à la qualité et à la beauté de ses créations.
Né dans les années 1960, le mouvement de la sculpture Shona a connu une période de gloire avec la première génération de sculpteurs zimbabwéens, qui ont su marier les traditions locales à des influences modernes pour créer des œuvres uniques et étonnantes.
Ces artistes ont su faire émerger un style propre à la culture Shona, qui se caractérise par l’utilisation de pierres de différentes couleurs et textures, ainsi que par des formes organiques et abstraites qui évoquent la nature et la vie. Parmi les sculpteurs les plus célèbres de cette époque, on peut citer Nicholas Mukomberanwa, Henry Munyaradzi ou encore Bernard Matemera.
Au fil des années, la sculpture Shona a continué de se développer, avec l’émergence d’une deuxième et d’une troisième génération de sculpteurs, qui ont perpétué les traditions de leurs prédécesseurs tout en innovant et en explorant de nouveaux territoires.
Aujourd’hui, la sculpture Shona est reconnue dans le monde entier comme l’une des plus belles expressions de l’art africain contemporain. Les œuvres des sculpteurs Shona sont présentes dans les plus grands musées et galeries d’art du monde, et sont appréciées pour leur beauté, leur originalité et leur profondeur.
Mais la sculpture Shona est avant tout un héritage culturel et artistique pour le peuple zimbabwéen, qui continue de transmettre cette tradition de génération en génération. Grâce à eux, la sculpture Shona restera à jamais un symbole de la richesse et de la diversité de la culture africaine.
La photographie africaine
La photographie africaine est une discipline de l’art contemporain africain dont l’histoire remonte aux années 1840, époque à laquelle les artistes africains ont commencé à utiliser cette forme d’expression pour transmettre leur vision du monde. Depuis lors, la photographie africaine est devenue une forme d’art établie et dynamique, offrant aux artistes africains un moyen de s’exprimer individuellement et de capturer la diversité de leur continent. Cette discipline de l’art contemporain africain offre un espace de création unique, permettant aux photographes africains de partager leur point de vue sur leur histoire, leur culture, leur environnement, leur politique, leur société et leurs identités. Dans cet article, nous explorerons l’évolution de la photographie africaine, ainsi que les tendances, les défis et les opportunités qui façonnent ce domaine dynamique de l’art.
Le portrait moderne en studio en Afrique : à la croisée de la tradition et de l’innovation
Le portrait de studio est un genre photographique qui a traversé les siècles et les continents. En Afrique, cette pratique s’est développée avec l’arrivée des colons européens, qui ont introduit la photographie dans les pays africains. Mais les photographes africains ont rapidement investi ce genre, en y ajoutant leur propre vision et leur propre style.
Les photographes Seydou Keita, Malik Sidibe, James Barnor, JD Ojeikere et Soloman Osagie sont des figures emblématiques de la photographie de studio en Afrique. Ils ont tous contribué à documenter la vie quotidienne, la culture et l’histoire de leur pays. Seydou Keita a créé des portraits de studio élégants et expressifs à Bamako, tandis que Malik Sidibe a capturé la culture des jeunes des années 60 et 70. James Barnor a travaillé en tant que photographe et photojournaliste au Ghana et à Londres, tandis que JD Ojeikere a documenté les coiffures ornées des Africains et Alonge a capturé la vie royale au Nigeria.
Ces photographes ont créé des images qui sont aujourd’hui reconnues comme des classiques de la photographie africaine. Mais ils ont également influencé de nombreux photographes africains qui ont suivi leurs pas.
Joseph Moise Agbodjelou, par exemple, a ouvert son propre studio de photographie au Bénin en 1960, où il a documenté tous les aspects de la vie au Bénin. Adama Kouyate, quant à lui, a été un pionnier de la photographie de studio au Mali. Ernest Cole, Ricardo Rangel, Sanle Sory et Samuel Fosso ont également contribué à enrichir la pratique du portrait de studio en Afrique, chacun avec leur propre vision et leur propre style.
Aujourd’hui, de nombreux photographes africains continuent de travailler dans ce genre, tout en y ajoutant leur propre touche personnelle. Gideon Mendel, par exemple, a documenté les inégalités de l’apartheid en Afrique du Sud dans les années 80, avant de se tourner vers des sujets plus universels. Sa série Submerged Portraits est un exemple de l’innovation que les photographes africains apportent à ce genre. Mendel crée des portraits de personnes immergées dans l’eau, qui symbolisent la perte de repères et les bouleversements du monde contemporain.
Le portrait de studio en Afrique est donc un genre photographique vivant et en constante évolution, qui témoigne de la créativité du continent.
La photographie africaine : une diversité de voix établies à travers le continent
La photographie africaine, cette branche de l’art contemporain africain a une longue histoire et une riche tradition, qui remonte aux premiers jours de la photographie. Au cours des dernières décennies, de nombreux photographes ont émergé sur la scène internationale, contribuant à façonner la manière dont l’Afrique est perçue à travers le monde.
Parmi les photographes établis du continent africain, on trouve des artistes originaires de différents pays et ayant des approches différentes. Certains, comme Léonce Raphael Agbodjelou du Bénin, se concentrent sur la documentation de la vie quotidienne et de la culture de leur pays. Agbodjelou, par exemple, est connu pour ses portraits en noir et blanc des dahoméens, qui capturent leur vie quotidienne et leur culture traditionnelle.
D’autres photographes, comme Roger Ballen d’Afrique du Sud et des États-Unis, se concentrent sur l’aspect plus sombre de la vie. Ses images étranges et souvent dérangeantes de personnes et d’animaux captent l’essence de la folie et de l’aliénation.
Sammy Baloji de la République démocratique du Congo utilise la photographie pour explorer les conséquences du colonialisme et de l’exploitation minière sur son pays. Ses images sont souvent des collages qui rassemblent des éléments historiques et contemporains pour créer une image plus complète de la situation actuelle.
Zwelethu Mthethwa est né en 1960 en Afrique du Sud, pendant la période de l’apartheid. Malgré les restrictions de cette époque, il a réussi à suivre une formation artistique au Cap, grâce à une permission spéciale. Ensuite, il a obtenu une bourse pour étudier aux États-Unis, où il a consolidé sa carrière de photographe. Ses images puissantes présentent une représentation honnête et sans fard de la vie en Afrique du Sud, qui continue de défier les questions sociales et économiques actuelles.
Jodie Bieber est une photographe sud-africaine née en 1966, qui a commencé sa carrière professionnelle en 1994 en travaillant pour le journal The Star lors des élections démocratiques en Afrique du Sud. Elle a remporté de nombreux prix pour ses contributions photographiques, y compris le Premier Prix du World Press Photo en 2010 pour son portrait de Bibi Aisha publié dans le magazine Time. Son travail se concentre sur des questions universelles telles que la violence domestique, le gangstérisme, l’illégalité, la vie dans les townships et l’évolution des stéréotypes.
Uche Okpa-Iroha est un photographe nigérian né en 1972 et basé à Lagos. Il est deux fois lauréat du prix Seydou Keita et membre de plusieurs collectifs d’artistes. Son objectif est de rendre la photographie accessible et abordable pour tous en Afrique.
Angele Etoundi Essamba est une artiste photographe camerounaise née en 1962 à Douala. Elle vit et travaille actuellement à Amsterdam, mais son travail continue d’être influencé par son héritage africain et la diversité de son environnement culturel. Elle se concentre sur les représentations stéréotypées des femmes, en montrant des femmes fortes et fières, souvent dans des photographies en noir et blanc pour renforcer l’idée de puissance et de conscience de soi.
Zanele Muholi est une activiste visuelle sud-africaine qui utilise la photographie, la vidéo, le cinéma et les installations pour aborder des sujets tels que l’homophobie, les crimes haineux, le viol, l’injustice et le racisme.
Joana Choumali, une photographe ivoirienne, explore les questions d’identité et toute la diversité des cultures africaines. Elle utilise le portrait conceptuel, les techniques mixtes et le travail documentaire, et a récemment commencé à broder ses photographies.
Nyaba Ouedraogo, une photographe autodidacte du Burkina Faso, utilise le photojournalisme et la documentation pour créer des photographies primées témoignant des conditions de vie et de travail difficiles dans certaines régions du continent africain.
Aida Muleneh, une photographe éthiopienne, utilise son héritage pour représenter principalement des femmes noires dans des images graphiques et vibrantes qui explorent une nouvelle identité éthiopienne. Elle est également active dans la formation, la conservation et le développement de projets culturels en Éthiopie et a créé le festival photo Addis Photo Fest.
D’autres photographes, comme Luis Basto du Mozambique, se concentrent sur les questions environnementales et sur la relation entre l’homme et la nature. Ses images sont souvent des paysages épiques qui reflètent la beauté naturelle de son pays.
La photographie africaine ne se limite pas à la documentation de la vie quotidienne et de la culture, de l’aspect sombre de la vie, de l’exploration des conséquences du colonialisme et de l’exploitation minière, ou des questions environnementales. Il y a des photographes, comme Jodi Bieber d’Afrique du Sud, qui se concentrent sur les portraits et les images sociales, ou des artistes, comme Seydou Camar du Mali, qui se concentrent sur la photographie de mode.
Quels que soient les thèmes explorés par les photographes africains, ils contribuent tous à la diversité et à la richesse de la photographie africaine. Leurs œuvres sont non seulement importantes pour la compréhension de l’Afrique, mais aussi pour la photographie en général.
Des images fortes, poétiques et engagées : la nouvelle vague de photographes africains
La photographie africaine contemporaine est en plein essor, avec une nouvelle génération de photographes talentueux qui apportent une perspective fraîche et originale sur le continent. Leurs œuvres reflètent la diversité des cultures africaines, tout en explorant des thèmes universels tels que l’identité, la mémoire, la migration, la politique, l’histoire et la société.
Parmi les photographes africains contemporains à suivre, on trouve Thabisa Sekgala, une photographe sud-africaine décédée prématurément, qui explorait l’identité et la mémoire en lien avec le paysage urbain. Namsa Leuba, une photographe guinéenne-suisse, puise son inspiration dans la culture africaine, qu’elle transpose dans un contexte contemporain avec des couleurs saturées et des motifs géométriques. Lakin Ogunbanwo, un photographe nigérian, se concentre sur les portraits et les paysages urbains nigérians pour montrer les contrastes et les paradoxes de la vie dans la ville.
Georges Senga, un photographe congolais, utilise une esthétique pop et un humour subtil pour explorer l’impact de la colonisation belge sur la culture congolaise. Sabelo Mlangeni, un photographe sud-africain, documente la culture zouloue à travers des portraits et des paysages poétiques et mélancoliques qui invitent à la réflexion sur la complexité de l’histoire sud-africaine.
D’autres photographes africains contemporains à suivre incluent Laeila Adjovi, née au Bénin et vivant en France, Jenevieve Aken, du Nigeria, Leila Alaoui, une artiste franco-marocaine décédée lors d’un attentat en 2016, Mimi Cherono Ng’ok, du Kenya, Kudzanai Chiurai, du Zimbabwe, Justin Dingwall, d’Afrique du Sud, Omar Victor Diop, du Sénégal, et Awol Erizku, né en Ethiopie et vivant aux Etats-Unis.
Ces photographes africains contemporains sont à la fois artistes, historiens et activistes, qui utilisent leur art pour explorer et célébrer la complexité et la richesse de la culture africaine, ainsi que pour critiquer les inégalités sociales et les injustices politiques. A travers l’art contemporain africain, ils repoussent les frontières de la photographie et révèlent de nouvelles facettes de l’Afrique, qui méritent d’être découvertes et appréciées à leur juste valeur.
Décolonisation de la représentation de l’Afrique : la photographie des jeunes artistes comme outil de changement
Depuis les années 1990, un groupe passionnant de jeunes photographes africains est en train de révolutionner le monde de la photographie. Abuzaid, Owise, Campbell Addy, Atong Atem, Girma Berta, Tony Gum, Prince Gyasi, Phumzile Khanyile, Alice Mann, Nobukho Nqaba, Nana Yaw Oduro, Ruth Ossai, Stephen Tayo, David Uzochukwu, Kyle Weeks et Ismail Zaidy produisent un vaste éventail d’images, de films et de documentaires saisissants qui repoussent les limites de la technique et du sujet.
Ces photographes utilisent des techniques informatiques modernes pour donner de l’autorité à leur travail et pour dépeindre leurs visions individuelles, souvent en utilisant leurs téléphones portables pour prendre leurs photos. Ils capturent des images de la vie contemporaine dans les villes africaines, ainsi que des événements politiques et sociaux, tels que des manifestations et des émeutes, qui peuvent changer la façon dont les gens pensent.
La photographie de rue est un domaine privilégié pour ces artistes, reflétant les changements de gouvernement politique et social, les transitions de pouvoir, légales et illégales. Les images et les films qu’ils produisent peuvent changer la façon dont les gens pensent. Les images en noir et blanc sont encore fréquemment utilisées pour tous les genres, tout comme la photographie de studio, mais elles concernent aujourd’hui surtout la culture moderne des jeunes.
Beaucoup de leurs projets sont une tentative de décolonisation de la représentation de l’Afrique. Ils explorent la diversité des cultures et des identités africaines, ainsi que des thèmes pertinents tels que le genre, les LBGTQ, la sexualité et le statut socio-économique. D’autres thèmes pertinents concernent les frontières, la diaspora, la translocation, la déportation et les réfugiés. L’humanité, le fait de donner un visage aux oubliés et aux silencieux, la politique, les victimes de l’oppression et la documentation de la vérité confèrent à la photographie africaine force et pouvoir, permettant à ses citoyens de s’épanouir.
Le portrait est toujours un favori pour ces photographes, qu’ils soient pris à l’intérieur ou à l’extérieur du studio. Les portraits peuvent être formels ou informels, mais ils capturent toujours le style, le statut et la mode du « moment », poursuivant ainsi l’archivage de la mode, des textiles, des vêtements et des attitudes. Les vêtements de rue et les mouvements de danse font certainement monter l’attitude !
En explorant ces sujets et en utilisant une variété de techniques innovantes, ces jeunes photographes africains repoussent les limites de la photographie contemporaine et créent des œuvres qui ont une portée mondiale. Leur travail est un exemple inspirant de la créativité africaine et de l’impact que la photographie peut avoir sur la société.
De la récupération à l’inspiration : l’art recyclé comme symbole de la résilience africaine
L’art recyclé africain contemporain est une tendance artistique émergente qui a captivé l’attention des amateurs d’art du monde entier. Cette forme d’art innovante est née dans un contexte africain caractérisé par des défis environnementaux et économiques considérables tels que la pollution, la pauvreté et la surconsommation. Les artistes africains transforment les déchets en œuvres d’art esthétiques et uniques, reflétant leur culture, leur vision du monde, leurs préoccupations environnementales et sociales. Ils utilisent des matériaux récupérés pour produire des sculptures, des installations, des photographies, des peintures et même des vêtements.
Ces artistes ont un talent inégalé pour trouver la beauté dans les objets de la vie quotidienne tels que les canettes, les pneus, les sacs en plastique et les pièces d’ordinateur, créant ainsi des œuvres d’art aux formes et aux textures surprenantes qui éveillent l’imagination du public. L’art recyclé africain contemporain est également un moyen pour les artistes de sensibiliser le public à des questions importantes telles que l’écologie, la protection de l’environnement, la justice sociale et la durabilité.
Les artistes les plus talentueux et influents de l’art recyclé africain contemporain incluent El Anatsui, Adeagbo Georges, Clottey Serge Attukwei, Hazoume Romuald, Mbongeni Buthelezi et Gonçalo Mabunda. Chacun d’entre eux a une approche unique de la création d’œuvres d’art à partir de matériaux récupérés et a acquis une renommée internationale pour son talent et sa créativité.
En transformant des matériaux trouvés dans leur environnement en œuvres d’art, ces artistes créent des opportunités économiques et encouragent le recyclage et la réutilisation dans leur communauté. Leur travail est un rappel que l’art peut avoir une fonction sociale importante, en plus d’être une forme d’expression personnelle et créative. Leur approche du travail artistique reflète une approche plus large de la vie, montrant comment des choses considérées sans valeur peuvent être transformées en quelque chose de beau et de significatif. Leur travail inspire le public et contribue à la construction d’un monde plus durable et plus équitable.
Art éco-responsable : des artistes du street art donnent une seconde vie aux matériaux recyclés
Certains artistes, tels que Benon Lutaaya, Mbongeni Buthelezi et Duhirwe Rushemeza, utilisent des matériaux recyclés pour créer des œuvres d’art éco-responsables dans le cadre du street art.
Benon Lutaaya, artiste ougandais vivant en Afrique du Sud, se sert de papier déchiré, coupé et froissé pour créer des collages sensibles et uniques qui portent sur des questions sociales telles que la pauvreté, l’immigration et l’instabilité politique.
Mbongeni Buthelezi, artiste sud-africain, collecte des conteneurs en plastique depuis plus de 25 ans pour les utiliser comme matériaux de base. Il applique des couches de plastique fondu sur toile pour créer des textures et des combinaisons de couleurs complexes, utilisant parfois jusqu’à 5000 morceaux de plastique pour une seule œuvre d’art. Dans sa dernière exposition « Sugar Tax », il utilise spécifiquement des bouchons en plastique et des bouteilles de soda pour mettre en lumière les problèmes de santé chroniques tels que l’obésité et le diabète qui touchent actuellement l’Afrique.
Duhirwe Rushemeza, artiste rwandaise, utilise quant à elle des couches de ciment-colle, de béton, de peinture acrylique, de bois et de détritus métalliques pour créer ses œuvres. Ce processus d’assemblage est délibérément laissé visible pour susciter l’intérêt de ses spectateurs sur des sujets d’actualité tels que les déplacements humains, l’adaptation culturelle et les souvenirs personnels et matériels.
En utilisant ces matériaux recyclés pour leurs créations, ces artistes contribuent à réduire les déchets et à promouvoir un art éco-responsable, tout en sensibilisant les gens à des problématiques sociales et environnementales importantes.
Le street art peut également être recyclé. En effet, des artistes peuvent créer des œuvres d’art à partir de matériaux recyclés tels que des bouchons de circulation, des pneus usagés ou des objets récupérés dans les rues. Ces œuvres d’art éco-responsables peuvent être vues comme des messages sur la nécessité de préserver notre environnement.
L’utilisation de matériaux recyclés pour créer des œuvres d’art contemporaine africaine est une manière créative et éco-responsable pour les artistes de s’exprimer tout en sensibilisant les gens aux enjeux environnementaux.
De la tradition à l’innovation : les céramistes africains qui réinventent la poterie
L’art de la poterie africaine contemporaine est un art qui a su évoluer avec le temps tout en gardant sa profondeur historique. De nos jours, de nombreux artistes céramistes travaillent en Afrique, chacun avec leur propre style et technique, contribuant ainsi à l’enrichissement de cet art millénaire.
Magdalene Odundo est l’une des sculptrices en céramique les plus talentueuses de son temps. Née au Kenya, elle a reçu une formation à l’École de céramique de Farnham en Angleterre. Elle s’inspire de l’art de la poterie du Kenya et du Nigeria, mais également de l’art occidental moderne. Ses pots sont souvent de grandes tailles et se caractérisent par leurs formes organiques et leurs surfaces polies. Elle a exposé ses œuvres dans les plus grands musées du monde.
Andile Dyalvane est un artiste céramique sud-africain qui utilise la technique de la scarification pour décorer ses pots. Cette technique consiste à inciser la surface de l’argile avec des motifs géométriques et symboliques. Les motifs qu’il utilise sont inspirés de la culture Xhosa, à laquelle il est attaché. Ses œuvres sont souvent des pièces uniques, à la fois élégantes et imposantes.
Clive Sithole est un potier sud-africain qui a modernisé l’art de la poterie zouloue en y ajoutant des motifs zoomorphes et anthropologiques. Ses pots sont des œuvres d’art à part entière, dont la beauté réside dans la pureté de leur forme. Il estime que chaque pot qu’il crée est unique et qu’il a sa propre histoire à raconter.
La famille Nala est une famille de potiers sud-africains qui a su transmettre son savoir-faire de génération en génération. Leurs pièces finement ouvragées sont fabriquées dans la vallée de Thukela, dans le KwaZulu-Natal, en Afrique du Sud. Leurs pots sont souvent décorés de motifs géométriques et symboliques, qui témoignent de leur culture et de leur histoire.
La famille Magwaza est également originaire de la région de la rivière Tugela dans le KwaZulu Natal, en Afrique du Sud. Leur technique de dessin à l’aide d’amasumpa est unique et donne à leurs pots une beauté incomparable. Ils continuent d’utiliser des méthodes ancestrales pour la fabrication de leurs pots, ce qui leur confère une profondeur historique particulière.
Ranti Bam est une céramiste exceptionnelle d’origine nigériane qui a su repousser les limites de la faïence en créant des récipients sculpturaux uniques en leur genre. Ses pots sont souvent des œuvres abstraites, construites en assemblant des dalles pour créer des formes organiques. Elle utilise des engobes et des colorants pour donner à ses pots une texture et une couleur particulières.
En conclusion, l’art de la poterie africaine contemporaine est un art riche et diversifié, qui témoigne de l’histoire et de la culture du continent africain.
La tapisserie africaine contemporaine : un art en constante évolution
La tapisserie est une branche de l’art contemporain africain en constante évolution qui utilise des supports non traditionnels et des techniques modernes pour transmettre des messages politiques, sociaux et culturels. Les artistes africains contemporains apportent leur touche personnelle à cet art pour créer des œuvres uniques et originales.
Papa Ibra Tall, artiste sénégalais, utilise la technique traditionnelle du tissage à la main pour créer des œuvres qui représentent la vie quotidienne africaine. Rachid Koraichi, artiste algérien, utilise la broderie pour transmettre des messages politiques et sociaux, tandis que William Kentridge, artiste sud-africain, utilise l’animation et la gravure pour aborder l’histoire, la politique et la vie quotidienne en Afrique du Sud.
Mary Ann Orr, Bev Butkow, Igshaan Adams, Victoria-Idongesit Udondian, Athi-Patra Ruga, Kimathi Mafafo et Diedrick Brackens sont des artistes africains contemporains qui utilisent également des techniques de tissage, de broderie, de tricot et de patchwork pour créer des œuvres uniques qui explorent des thèmes tels que la faune africaine, l’histoire et la culture africaines, l’identité, la sexualité, la masculinité noire et les questions de race et d’identité.
En utilisant des techniques modernes et des supports non traditionnels, la tapisserie africaine contemporaine continue d’évoluer et de se développer en tant qu’art important qui aborde des questions importantes pour l’Afrique et le monde.
Tapisseries modernes d’Afrique : Quand l’artisanat devient art
La tapisserie moderne en Afrique est un artisanat introduit par des organisations étrangères pour aider les sociétés rurales à se développer, en particulier les femmes. Les ateliers de Rorkes Drift et Keiskamma, en Afrique du Sud, ont permis à de nombreux artisans de devenir des artistes à part entière. Les tapisseries représentent souvent des images figuratives du folklore, de la Bible ou d’événements importants. La tapisserie Keiskamma, longue de 120 mètres, raconte l’histoire de la frontière du Cap, de l’âge de pierre de San à la résolution pacifique des élections de 1994, en passant par les guerres et les tragédies du peuple Xhosa. La tapisserie Guernica de Keiskamma, représentant une destruction plus lente et insidieuse de la société, raconte une lutte individuelle et de deuil, de résilience et de courage. Les tapisseries modernes d’Afrique sont devenues des pièces d’art prisées dans le monde entier.
Tapisserie contemporaine et art du fil en Afrique : exploration de nouvelles formes et techniques par les artistes
La tapisserie contemporaine et l’art du fil en Afrique sont des expressions artistiques riches en signification et en expression. Les artistes utilisent des matériaux traditionnels tels que la laine et le coton, ainsi que des matériaux réutilisés pour créer de nouvelles formes et processus. Les artistes sud-africains Igshaan Adams, Kimathi Mafafo et Athi Patra Ruga repoussent les limites de la tapisserie et de la broderie traditionnelles en travaillant avec des installations, des sculptures de forme libre, de la broderie et de la peinture. Adams est à l’aise avec le travail en 3D, tandis que Mafafo travaille avec des figures féminines bien équilibrées, projetant ses propres croyances dans les belles et fortes formes qu’elle dépeint. Athi Patra Ruga utilise les textiles, la vidéo, la performance, la sculpture, la mode et la photographie pour exprimer sa créativité. Ces artistes sont à l’avant-garde de l’art de la tapisserie et de l’art du fil en Afrique, mettant en lumière l’importance de ces techniques dans l’art contemporain africain.
L’art des motifs africains : un héritage ancien revisité dans une perspective moderne
Le motif africain contemporain est un style artistique dynamique et vivant de l’art contemporain africain qui s’inspire de l’art traditionnel africain et le modernise. Les artistes contemporains africains utilisent des motifs répétés pour créer des œuvres d’art et d’artisanat qui sont à la fois visuellement stimulantes et intellectuellement significatives. Les motifs africains contemporains sont utilisés dans une grande variété de médiums, y compris la peinture, la sculpture, la tapisserie et les impressions sur tissus.
Les artistes tels que Owusu Ankomah, Atta Kwami, Esther Mahlangu et Victor Ehikhamenor ont tous incorporé des motifs africains contemporains dans leur art. Le style de chaque artiste est unique et reflète sa propre vision créative. Les motifs brisés d’Owusu Ankomah, la couleur vibrante d’Atta Kwami, les formes géométriques d’Esther Mahlangu et les formes figuratives abstraites de Victor Ehikhamenor sont tous des exemples de l’utilisation créative des motifs africains contemporains.
Les motifs africains contemporains ont également une signification culturelle profonde. Les symboles Adinkra, par exemple, sont souvent utilisés dans les motifs africains contemporains et ont une signification spirituelle et philosophique importante pour les peuples d’Afrique de l’Ouest. En incorporant ces symboles dans leur travail, les artistes contemporains africains peuvent aider à préserver et à promouvoir la culture africaine.
En somme, le motif africain contemporain est un style artistique dynamique et significatif qui continue d’évoluer et d’inspirer les artistes du monde entier.
Sokhari Douglas-Camp : l’intégration réussie des motifs africains dans la sculpture contemporaine
Sokhari Douglas-Camp, née en 1958 au Nigeria, est une artiste contemporaine qui s’inspire des coutumes et de la culture de sa communauté Kalabari. Bien qu’elle vive actuellement à Londres, l’Afrique continue d’influencer son art de manière significative.
Son travail se concentre sur les costumes colorés et imaginatifs utilisés dans les mascarades, les funérailles et les festivals de sa communauté. Elle utilise l’acier comme matériau de prédilection pour ses sculptures, et malgré la nature résistante de ce matériau, elle parvient à créer des sculptures qui semblent éthérées.
L’artiste parvient à intégrer les traditions ancestrales aux technologies contemporaines pour créer des sculptures qui sont à la fois puissantes et attachantes. Elle parvient à combiner la stature avec un certain degré de jeu, même lorsqu’elle traite de sujets forts et parfois inflammables.
Dans ses sculptures figuratives, elle utilise souvent des formes découpées qui rappellent les motifs africains traditionnels. Les motifs répétés dans les robes de femmes, parfois même comme de la dentelle, sont particulièrement remarquables. Cela montre sa capacité à créer des détails complexes et difficiles à réaliser avec du métal.
En somme, Sokhari Douglas-Camp est une artiste contemporaine africaine talentueuse qui continue d’incorporer les traditions africaines dans son travail. Ses sculptures en acier évoquent la beauté et l’émotion des coutumes de sa communauté, tout en utilisant des techniques modernes pour créer des œuvres d’art uniques et saisissantes.
L’architecture africaine contemporaine : une réinterprétation des motifs traditionnels
L’architecture contemporaine africaine intègre de plus en plus de motifs traditionnels, offrant un hommage aux cultures et à l’histoire du continent. Les architectes David Adjaye, Francis Kere, Hermann Kamte et Patrick Dujjaric sont des exemples d’architectes africains qui intègrent des motifs africains dans leur travail. Le Musée national afro-américain d’histoire et de culture de David Adjaye comporte des éléments de design en panneaux métalliques tirés de la tradition de métallurgie des esclaves affranchis. Francis Kere a conçu un pavillon à la Serpentine Gallery qui rappelle l’arbre à cueillette de son village natal et est recouvert de motifs perforés en bois rappelant les motifs de boma. Hermann Kamte & Associates a construit la Lagos Wooden Tower avec des motifs graphiques basés sur la culture traditionnelle yoruba. Enfin, Patrick Dujjaric a remporté le prix Aga Khan pour son Centre culturel franco-sénégalais à Kaolack, qui intègre des motifs traditionnels d’une manière très moderne. Ces exemples montrent comment les motifs africains contemporains dans l’architecture peuvent créer des bâtiments inspirés de l’histoire et de la culture africaine.
Tisser un nouveau récit : comment les artistes textiles africains contemporains utilisent les matériaux pour mettre en lumière les défis du continent
L’art textile africain contemporain est un domaine dynamique et passionnant qui ne cesse d’évoluer et de se renouveler. Les artistes africains contemporains utilisent des textiles et/ou des matériaux trouvés pour réinventer de manière surprenante et innovante l’historique et le traditionnel.
Ces artistes s’engagent directement avec les matériaux, ce qui rend la forme de fabrication une partie intégrante de l’art et de sa signification. Les œuvres d’Ibrahim Mahama illustrent parfaitement cet engagement. Il utilise des sacs de toile de jute portant des traces de production de charbon et de cacao dans son pays d’origine, le Ghana, pour mettre en évidence divers problèmes auxquels son pays et le continent sont confrontés. Ces œuvres mettent également en évidence le rôle de l’Afrique dans l’échange de marchandises et la migration des personnes.
Un grand nombre d’artistes textiles contemporains contribuent à cette forme d’art dynamique et expressive. Des artistes tels que Hassan Musa, Abdoulaye Konate, Yinka Shonibare, Victor Ehikhamenor, Billy Zangewa, Lizette Chirrime, Turiya Magadlela, Grace Ndiritu, Anthony Bumhira, Marcellina Akpojotor Oseghale, Siwa Mgoboza, Angela Franklin Faye, Kyle Meyer, Tschabalala Self et Kwesi Kwarteng, pour ne citer qu’eux, remettent en question les stéréotypes du corps de la femme noire et explorent l’histoire culturelle du continent tout en créant des œuvres qui abordent les enjeux actuels de l’Afrique.
Les artistes textiles qui utilisent la photographie pour explorer l’héritage africain
Les artistes textiles qui utilisent la photographie sont des créateurs qui ont réussi à fusionner deux mediums artistiques pour créer des oeuvres fascinantes et uniques. Les deux artistes présentés ici, Zohra Opuku et Marion Boehm, ont toutes deux réussi à exploiter la richesse culturelle des textiles pour créer des oeuvres d’art qui racontent des histoires captivantes.
Zohra Opuku utilise des photographies imprimées sur des tissus pour explorer les liens entre les codes vestimentaires et la culture. Elle embellit ses oeuvres avec des perles, des fils de couleurs vives ou de la dentelle, créant ainsi des compositions complexes et sculpturales.
Marion Boehm, quant à elle, utilise des photographies historiques pour créer des portraits complexes en collant divers tissus et autres matériaux sur le papier. Les portraits de Boehm ont tous une position similaire, un regard direct qui force une confrontation avec l’observateur.
Dans l’ensemble, les artistes textiles qui utilisent la photographie ont réussi à créer des oeuvres uniques qui célèbrent l’héritage et la culture des textiles tout en explorant de nouvelles formes d’expression artistique. Ces oeuvres sont à la fois belles et fascinantes, et montrent que la créativité peut naître de la fusion de différentes formes d’art.
L’art de l’installation textile : une explosion de créativité en Afrique
Le monde de l’art africain contemporain célèbre l’art de l’installation textile, une forme artistique passionnante qui utilise la fluidité et la résistance à la traction des textiles et des tissus pour créer des œuvres d’art monumentales. Parmi les artistes les plus célèbres figurent El Anatsui, connu pour ses sculptures murales monumentales, Peju Alatise, qui utilise des tissus, des céramiques et du métal pour créer des œuvres en 3D avec un thème sous-jacent qui souligne l’absence des femmes, Serge Attukwei Clottey, qui utilise des bidons en plastique jaune pour créer de grandes déclarations, et Nnenna Okore, qui crée des formes abstraites avec des matériaux écologiques de la nature. L’art de l’installation textile permet de créer des œuvres d’art d’une beauté et d’une originalité saisissantes, qui ont un impact sur la sensibilité de chacun.
Des sculptures textiles africaines qui interpellent notre rapport à la tradition
Les artistes textiles africains réinventent la sculpture en créant des œuvres sculpturales ou en 3D qui apportent une nouvelle dimension à l’art traditionnel. Ils utilisent des techniques de tissage, de broderie et de teinture pour donner vie à des sculptures en trois dimensions, créant ainsi des œuvres qui sortent des objets plats et fonctionnels. Certains artistes notables incluent El Anatsui, Sanaa Gateja, Yinka Shonibare, Olanrewaju Tejuoso, Nnenna Okore, Nicholas Hlobo, Georgina Maxim, Victoria Udondian, Ibrahim Mahama et Troy Makaza. Leurs œuvres sont souvent liées à l’identité, à l’histoire et à la tradition africaine, et leur utilisation de matériaux recyclés souligne l’importance de la durabilité et de l’environnement. Globalement, ces artistes repoussent les limites de la sculpture et créent des œuvres significatives qui témoignent de l’importance de la culture et de l’histoire.
El Anatsui, né au Ghana en 1944, est considéré comme l’un des pionniers de ce mouvement artistique. Il est connu pour ses grands drapés de tissus métalliques réalisés à partir de matériaux de récupération tels que des bouteilles en plastique et des capsules de bouteilles. Ces œuvres sont souvent suspendues aux murs ou aux plafonds, créant une sensation de mouvement et de fluidité.
Sanaa Gateja, née en Ouganda, est une artiste qui utilise des textiles africains traditionnels, tels que le Kitenge, pour créer des œuvres d’art contemporaines. Elle crée des installations en tissu et en fil, qui sont souvent inspirées de la culture ougandaise. Elle travaille également avec des matériaux recyclés, comme des sacs en plastique, pour créer des sculptures de grande taille.
Yinka Shonibare, né au Royaume-Uni en 1962, est un artiste qui utilise des textiles imprimés africains dans ses œuvres d’art. Ses sculptures, qui sont souvent à grande échelle, sont habillées dans des tissus brillants et colorés. Les œuvres de Shonibare sont souvent chargées de significations sociales et politiques, explorant des thèmes tels que la colonisation et la post-colonisation.
Olanrewaju Tejuoso, né au Nigeria en 1974, est un artiste qui crée des installations de grande envergure en utilisant des textiles et des matériaux de récupération. Ses œuvres sont souvent conçues pour être expérimentales et interactives, encourageant les spectateurs à participer activement à l’expérience.
Nnenna Okore, née en Australie et élevée au Nigeria, utilise des techniques de tressage et de nouage pour créer des sculptures organiques en textile. Ses œuvres sont souvent inspirées par la nature et les formes organiques, et utilisent des matériaux naturels tels que des fibres végétales.
Nicholas Hlobo, né en Afrique du Sud en 1975, crée des sculptures textiles à grande échelle en utilisant des matériaux traditionnels tels que le cuir et le caoutchouc. Ses œuvres sont souvent liées à l’identité et à la sexualité, et utilisent des motifs et des formes qui sont à la fois sensuels et énigmatiques.
Georgina Maxim, née au Zimbabwe en 1980, crée des sculptures textiles qui sont souvent inspirées par la culture et l’histoire de son pays d’origine. Ses œuvres sont souvent abstraites et géométriques, utilisant des motifs et des couleurs vives pour créer des œuvres d’art éclatantes et dynamiques.
Victoria Udondian, une artiste nigériane née en 1982, utilise des vêtements recyclés pour créer des sculptures qui explorent les thèmes de l’identité, de la mémoire et de l’héritage culturel. Ses pièces sont souvent présentées comme des installations qui encouragent les spectateurs à réfléchir à leur propre rapport à l’histoire et à la tradition.
Ibrahim Mahama, un artiste ghanéen né en 1987, utilise des sacs de jute recyclés pour créer des installations monumentales qui explorent les thèmes de l’économie mondiale, de la migration et de la globalisation. Ses pièces sont souvent présentées dans des espaces publics, créant ainsi une interaction directe avec les spectateurs.
Troy Makaza, un artiste zimbabwéen né en 1994, utilise des matériaux tels que le fil, le papier et le tissu pour créer des sculptures en trois dimensions qui explorent les thèmes de la tradition, de la spiritualité et de la culture africaine. Ses pièces sont souvent présentées comme des installations qui invitent les spectateurs à réfléchir à leur propre relation avec leur patrimoine culturel.
Dans l’ensemble, ces artistes africains montrent comment le textile peut être utilisé pour créer des sculptures en trois dimensions qui sont à la fois belles et significatives. ils participent ainsi à octroyer des dimensions multiples à l’art contemporain africain et leur travail est un témoignage de l’importance de la culture et de l’histoire, et de la façon dont les artistes peuvent utiliser leur créativité pour explorer ces thèmes de manière nouvelle et surprenante.
