Jusqu’au 19 mars 2022, l’exposition « Re-création » offre une plongée unique à la jonction de l’art africain contemporain et des maîtres européens à la Fondation Blachère. Ces artistes proviennent de quelques nations du continent africain et s’adaptent à des peintres européens, comme Manet, Ingres, Picasso, Gauguin ou aux genres inévitables comme la nature morte.
Tout est opéré par Clay Apenouvon, Moustapha Baidi Oumarou, Moufouli Bello, Wim Botha, Angèle Etoundi Essamba, Pierre Man’s, Franck Kemkeng Noah, Roméo Mivekannin, Aimé Mpané, Hassan Musa, Marc Padeu, Yinka Shonibare CBE, Mary Sibande, Maya-Inès Touam et Dagmar Van Weeghel pour refaire, re-concocter les grandes œuvres tout en y ajoutant leurs sensibilités.
Une partie des œuvres exposées à l’exposition « Re-création » faisaient alors partie de la collection de la Fondation Blachère, d’autres ont été réalisées par des artistes en résidence ou prêtées par des musées, des galeries et des collectionneurs bien disposés. Parmi la quarantaine d’œuvres présentées, certaines resteront à la Fondation Blachère pour enrichir la collection contemporaine de cette dernière.
Les artistes de l’exposition « Re-création »
« Re-création » est une exposition qui offre à un groupe hétérogène, à l’image d’une exposition dans un centre historique, un véritable accueil pour parcourir l’arrière-plan historique de l’Art.
Clay Apenouvon
Clay Apenouvon réalise des œuvres avec des matériaux et des objets. Ces substances recouvrent des espaces entiers, remarquant ainsi l’imperceptibilité. Pour lui, l’art est une méthode d’articulation, et il implique sa formation comme source de sa misère privée passée. Son choix de matériaux souligne la pénurie de fournitures artisanales moyennes d’après le tas d’ordures, en particulier le carton et les emballages.
Dépendant de l’installation comme méthode de démonstration, sa nouvelle série, « Plastic Attack », met en lumière les risques du plastique sur la planète. Il cherche à communiquer la magnificence mortelle du plastique en décrivant une catastrophe anticipée.
Moustapha Baidi Oumarou
Moustapha Baidi Oumarou est né à Maroua, dans l’extrême nord du Cameroun. Dès le départ, son sentiment de perception lui a permis d’aller vers l’existence avec un mode de pensée spécifique et une réceptivité hors du commun.
Après l’école, son goût pour le dessin le pousse à travailler dans un atelier de sérigraphie et plus tard choisit de se consacrer à la peinture.
En 2013, à 17 ans, Moustapha Baidi Oumarou remporte le troisième prix en expressions visuelles au Festival Yawalta Maroua. Cette qualification sera définitive pour lui dans la mesure où l’année suivante, il intègre le club des expressions plastiques de l’Université de Maroua.
Moustapha Baidi Oumarou est stimulé par ses éléments environnementaux et sa vision du monde. Peintre conscient et humaniste, il montre dans ses œuvres une volonté de transmettre ce que les laissés-pour-compte et les plus démunis ne peuvent communiquer avec les mots, car il milite pour un monde toujours plus ouvert.
Moufouli Bello
Moufouli Bello est une artiste passionnée par la peinture, le dessin, la photographie, les installations, l’animation, le son, l’art numérique et l’écriture.
Elle tient à enquêter sur les conceptions philosophiques, et sur la façon dont les coutumes, la culture, les questions législatives et l’innovation influencent nos sentiments et notre vision de la société, ainsi que notre idée de la solidarité.
Sa pratique artistique a commencé en 2012 avec la coopération à la réalisation de « l’Homme debout du Bénin » avec Bruce Clarke et coordonnée par la Fondation Zinsou.
En 2016, Moufouli Bello a été l’une des lauréates de l’Institut français et de la Cité internationale des arts à Paris. En 2017, elle a été invitée à participer à « Africa : the Great Feast » à Vienne par Barthélémy Toguo pour Bandjoun Station.
Son dernier projet, « We should disobey », sur le sexisme, a été présenté dans le cadre d’Amazone au Bénin.
Wim Botha
Wim Botha est né à Pretoria en 1974. Il a reçu plusieurs distinctions, dont le prix Helgaard Steyn pour la sculpture en 2013, le prix Standard Bank Young Artist en 2005 et le premier prix Tollman en 2003.
Ses dernières expositions indépendantes ont eu lieu au Museum Hotel à Louisville en 2020, au North Carolina Museum of Art à Raleigh et au Museum Hotel à Durham en 2019, à la Norval Foundation en 2018, à la Hans Mayer Gallery en 2017, à la Feldbusch Wiesner Rudolph en 2017, 2019 et 2021, à la Fondation Blachère en 2016, à la Jette Rudolph Gallery à Berlin en 2015, au National Arts Festival à Grahamstown en 2014, au Kunstraum Innsbruck en Autriche en 2013, et au Sasol Art Museum, Stellenbosch, en tant qu’artiste du Wordfest de l’université de Stellenbosch en 2013.
Parmi ses expositions les plus importantes, citons Sculpture à Institute of Contemporary Art Indian Ocean, The Divine Comedy, Lichtspiele au Museum Biedermann, The Rainbow Nation au Museum Beelden aan Zee à La Haye, la Biennale de Dakar, Africa Remix, et bien d’autres encore.
Essamba, Angèle Etoundi
Angèle Etoundi Essamba provient de l’Académie de la photographie d’Amsterdam. Depuis sa première exposition à Amsterdam, son travail n’a cessé d’être présenté dans des musées, des fondations, des foires, des biennales en Afrique, en Europe, aux États-Unis, en Amérique latine et en Asie.
Les photos de Angèle Etoundi Essamba ont également été retenues pour différentes publications et collections publiques et privées.
Les femmes sont le principal sujet de son articulation artistique et occupent une réflexion principale chez elle. Car elle propose dans son travail un défi et rompt avec les représentations clichées des femmes, choisissant plutôt de donner à ses sujets de l’importance et de la grandeur.
Pierre-Man’s
Pierre-Man’s est une artiste photographe et performeuse congolaise dont le sujet fondamental est le corps. A travers ses œuvres, cette artiste pluridisciplinaire cueille les états de sa vision. La photographie peut être un médium qui met à nu le corps qu’elle ritualise et met en scène pour défier la vérité d’une présence affligée.
Sa réalité est majoritairement rouge et son ressentiment passe en revue une brutalité spécifique du monde dans lequel nous sommes. Au fil du temps, elle a développé sa propre personnalité visuelle avec un héritage imprimé indéniablement présent, et s’est essayée à différentes rencontres créatives.
Dans ses expositions, le toucher du corps devient une calligraphie dans l’espace. Il reprend les registres d’une culture coutumière qu’elle restitue et décrie les réalités sociales existantes dont la société congolaise souffre, portant ses sujets à la sexualité, au corps, à la femme devant le grand public et les questionnes.
Pierre-Man’s établit un traitement reconstructeur, une opposition qui a besoin de polyvalence. Un cadre où chaque signal compte ou elle fabrique les éléments de ses récits avec l’objectif de transmettre le corps, de le mettre à nu par le préalable d’un agencement qui montre combien le travail mis à nu est un truc pas basique, qui pourrait partir d’un décor puis d’un autre, partir d’un monde puis d’un autre.
Franck Kemkeng Noah
Né à Yaoundé en 1992, Franck Kemkeng Noah acquiert un diplôme d’études supérieures en expressions visuelles, en 2017, il s’installe à Amiens pour un diplôme d’études supérieures en recherche de création.
Rapidement, il commence à peindre sur des tapis désertés. Les objets abandonnés qu’il trouve sur les routes deviennent un autre mécanisme pour une série d’œuvres qui remplissent principalement des centres de compte tout au long de l’existence de la délocalisation. Son travail décrit comme un travail de mélange, Franck Kemkeng Noah apporte une méthodologie d’exploration représentée fondamentalement par la peinture.
L’exploration stylisée de l’artiste, au cœur de laquelle sont conçues des créations mixtes, une perspective vivante et unique sur les pensées de l’interculturalité, de la personnalité et de la civilisation. La combinaison des sociétés humaines étant le point central de ses intérêts.
Roméo Mivekannin
Roméo Mivekannin tire sa motivation de chroniques visuelles ou d’œuvres d’art notoires. Il s’intéresse aux représentations figures noires, sources d’intérêt et d’effroi, érotisées ou extériorisées et attendues par l’œil pratiquement sélectif d’un observateur masculin et eurocentrique.
Ses œuvres sur des matériaux colorés par des douches de remèdes rabachés sont alors le lieu de l’examen minutieux d’une iconographie, acquise dans les cadres de la circulation et de la maîtrise humaines que furent la subjugation et la colonisation.
Définissant sans cesse une frontière immédiate entre une histoire passée et une histoire contemporaine, Roméo Mivekannin décide de se réapproprier les réalités actuelles de ces représentations enregistrées et de saper leur représentation première pour assembler, non sans incongruité, sa propre vision de l’histoire.
Aimé Mpane
Travaillant principalement avec du bois et une herminette, l’artiste congolais Aimé Mpane réalise des sculptures, des tapisseries en mosaïque et des représentations en bois découpé qui étudient le lien crucial entre le lieu et le caractère individuel.
Il met en scène la personne de bon goût et sociale du Congo contemporain, tout en montrant une compréhension profonde de son ensemble d’expériences.
Les modèles et les installations de Aimé Mpane traitent fréquemment de la tradition de l’impérialisme belge et du système Mobutu au Congo, tandis que ses œuvres présentent clairement tous ceux qu’il rencontre dans la ville de Kinshasa, afin de mettre en lumière le caractère congolais actuel.
Les masques de sa série « Le Demoiselle Pende/Masque Bi-face » ressemblent à des masques africains tout en faisant référence aux œuvres de Pablo Picasso, dont le symbolisme a été influencé par le primitivisme.
Hassan Musa
Hassan Musa est un peintre et performeur. Sa connaissance de l’histoire de l’art, séparée de l’ascendance dominante de l’histoire européenne, lui donne l’occasion d’une polyvalence savante et innovante, car il passe d’une narration à l’autre tout en tenant compte des nombreuses sociétés et traditions mondiales.
Hassan Musa est connu pour enrichir les toiles habituelles avec des significations et un style approprié. Nonobstant, l’analyse socio-politique, son discours s’oriente également vers une historiographie authentique.
Parmi ses expositions importantes, nous pouvons citer : Seven Stories About Modern Art for Africa à la Whitechapel Gallery de Londres en 1995, Modernities and Memories à la Biennale de Venise en Italie en 1997, New Premises : Three Decades au Museum for African Art de New York en 2012, l’exposition itinérante The Divine Comedy organisée par le commissaire d’exposition Simon Njami.
Marc Padeu
Né à Melong au Cameroun, où il réside et travaille. Les créations de Marc Padeu sont centrées sur les individus du Haut-Penja, une région agraire du Cameroun essentiellement connue pour ses plantations de bananes, un produit développé pour être vendu en Europe.
Les toiles de Marc Padeu donnent à voir ces familles de cultivateurs du voisinage et font remarquer leurs routines quotidiennes.
Comme la religion joue un rôle essentiel dans ces communautés, les œuvres de Marc Padeu font souvent référence à des toiles d’anciens maîtres de la peinture.
Yinka Shonibare CBE
Yinka Shonibare CBE, qui se décrit comme un croisement post-pèlerin, réalise des œuvres qui étudient les questions de race et de classe par le biais de la sculpture, de la peinture, de la photo, du film, des tapisseries quelques fois. Né en 1962 à Londres, il a déménagé à Lagos à l’âge de trois ans.
Yinka Shonibare CBE a été nommé pour le Turner Prize en 2004 et a été choisi comme académicien royal par la Royal Academy de Londres en 2013 et a reçu l’Ordre le plus excellent de l’Empire britannique en 2004 et le titre de Commandeur de l’Ordre le plus excellent de l’Empire britannique en 2019 puis le très estimé Art Icon Award de la Whitechapel Gallery de Londres en 2021.
Les œuvres de Yinka Shonibare CBE remettent en question l’importance des définitions culturelles et nationales. Son matériau inimitable est le tissu batik africain brillamment nuancé qu’il achète au marché de Brixton à Londres.
Le batik était initialement inspiré par le design indonésien, efficacement fabriqué par les Hollandais et finalement commercialisé aux États d’Afrique. Au point ou dans les années 1960, ce matériau s’est transformé en une image du caractère et de l’autonomie en Afrique.
La plus grande présentation européenne de Yinka Shonibare CBE, « End of Empire », a été inaugurée au Museum der Moderne de Salzbourg, en Autriche, en mai 2021.
La galerie Stephen Friedman a coordonné sa septième exposition indépendante intitulée « African Spirits of Modernism » en juin 2021. S’inspirant des thèmes de l’hybridité et du changement humain, ce nouvel assortiment d’œuvres compare des symboles issus de vestiges européens de style ancien avec des raretés africaines anciennes de la collection de Picasso.
Mary Sibande
Mary Sibande est née à Barberton, et vit et travaille à Johannesburg. Elle a représenté son pays lors de la 54e Biennale de Venise en 2011 et son projet « Long Live the Dead Queen » a été repris dans tout Johannesburg en 2010.
Mary Sibande a obtenu quelques distinctions, dont le prix du Smithsonian National Museum of African Arts, le prix Dignitas des anciens élèves de l’Université de Johannesburg et le prix Standard Bank des jeunes artistes en arts visuels.
Son œuvre « The Purple Shall Govern » a visité l’Afrique du Sud et s’est terminée à Johannesburg à la Standard Bank Gallery en 2014. Elle a bénéficié de quelques résidences et partenariats, dont la Smithsonian Fellowship pour Washington DC, la Ampersand Foundation Fellowship à New York et la University of Michigan Fellowship.
L’œuvre de Mary Sibande ne se contente pas de remettre en question les points de passage actuels de la race, de l’orientation et du travail en Afrique du Sud, elle s’efforce également de modifier la tradition de sa propre famille en matière de travail domestique contraint par l’apartheid à ce moment-là.
Mary Sibande utilise la structure humaine comme véhicule, par le biais de la photographie et de la sculpture, pour examiner les représentations clichées des femmes, en particulier des personnes de couleur en Afrique du Sud.
Maya-Inès Touam
Ancienne élève des Beaux-Arts de Paris, Maya-Inès Touam exprime son travail autour d’une image féminine spécifique, parfois objective, parfois déroutée, à l’instar des artistes comme Shadi Gadirian, Najia Mehadji, Maïmouna P. Guerresi ou l’artiste Héla Fattoumi.
Maya-Inès Touam a jusqu’à présent exposé ses œuvres aux États-Unis, en Europe et en Afrique du Nord, accompagnée en permanence par Thomas Echegut. Son travail a obtenu des bourses en France et au Maroc, et a été soutenu par le CNAP, la Fondation Alliance au Maroc et l’Institut français d’Alger.
Thomas Echegut, artiste photographe également formé par Marc Pataut et Patrick Feigenbaum, a fait la rencontre de Maya-Inès Touam aux Beaux-Arts de Paris. En s’associant dans leur démarche et leurs tâches, leur travail a pris une autre direction, s’efforçant de relier le reportage, les sciences humaines et l’art contemporain.
Dagmar Van Weeghel
Née en 1974, Dagmar Van Weeghel est une célèbre artiste photographe qui vit actuellement aux Pays-Bas. Elle s’est concentrée sur le cinéma et la photographie à l’Université des arts d’Amsterdam et à l’Académie néerlandaise du cinéma. Elle a vécu et travaillé dans de nombreuses nations africaines en tant que productrice et chef/réalisatrice de télévision indépendante, avant de se transformer en preneuse d’images à plein temps en 2015.
Les photos de Dagmar Van Weeghel font progresser les femmes. À travers les yeux de Dagmar Van Weeghel et avec la voix d’une femme, l’histoire se déroule – invitant les téléspectateurs à s’associer à des histoires et à des personnes authentiques. Dans chacune de ses séries, elle s’attache à raconter des histoires animées par l’engagement des femmes africaines dans la diaspora.
Les photos de Dagmar Van Weeghel ont été exposées en : Australie, aux États-Unis, en Italie, en Suisse, en Allemagne et aux Pays-Bas, entre autres. Sa spécialité a été largement reconnue par la presse et a remporté quelques prix prestigieux. Elle a notamment été mise en avant dans Vogue Italia, Photo Vogue Festival 2017. Le Museum of Contemporary African Diasporan Art (MoCADA) s’est souvenu de quelques-unes de ses photos pour ses ventes annuelles et elle est considérée comme l’un des artistes photographiques les plus importants à suivre.
